exibinterviste la giovane arte – Alvise Bittente

Il tuo sguardo affonda nella più trita banalità, divaga e ritrae una sorta di fenomenologia del ‘quotidiano’: cassonetti della spazzatura, water, etc, che si accampano su un foglio di carta. Un mondo la cui presenza dell’uomo è testimoniata soltanto dalle sue estensioni: gli oggetti. Per quale motivo non mostri interesse per la figura umana?
La figura umana non partecipa alla rappresentazione in folio, perché porta sempre con se un’espressione, un modo, uno stile e nei peggiori casi un carattere. È mia determinata lezione oggettivare con ordine e precisione, svogliatamente disinteressata, qualsiasi tipo di pratica. Non importa che sian porte, cessi, o scarpette. Non ha importanza il soggetto, contenuto nel folio, tanto meno la scelta. Esiste solo un approccio immediato che tende a confermare un’idea di base, non di trovate ed ideuzze, presto perse. Non importa la banalità degli oggetti, tanto meno importa la determinazione volenterosa et accanita del quotidiano, tutto il mio lavoro (fino ad ora) è testimonianza più o meno mascherata d’un sentore. Quello dell’economia. Non quella facoltativamente universitaria, né tanto meno quella della pagina del sole in 24 ore di quotidiano, ma l’economia di fatica, di lavoro, di spreco dei materiali. Per una poetica della nullafacenza, in economia soprattutto di voglia, per interesse d’altro. Tanto per non far tanto.

Anche penna e carta sono una scelta economica?
Penna e carta costano meno. L’idea viene spogliata delle pesanti vesti della materia pittorica, affrancata dalla minuzia miniaturista del video ‘tecno audio’ e svitata dai canali dell’hard core pesantissimo dell’immateriale virtuale computeristico. La mano se ne va via a mano a mano di testa sua, alla faccia del capo lavoro del capo. Quando la mano parte, ci si spensiera nel gesto meccanico che, per niente si differenza dal grattare il culo o mettere le dita nel naso. Anche quando non è il proprio.

Guardo i tuoi disegni e ogni volta mi chiedo: quale è il punto di vista da cui osservi?
Vorrei tanto prendere il punto di vista dell’oggetto, così per vedermi ‘lavorato al lavoro’, con tanto di facce di merda e tutte le contrazioni che subisce la mia espressione nel vedersi impegnata e devota al lavoro da sbrigare. Così riuscendo – aimé – solo in parte a farlo, accetto con rassegnazione di predispormi semplicemente dal punto di vista più comodo per la posizione del corpo e per la realizzazione diretta su carta. Spesso, non è una posizione ‘sempre ideale’, mi articolo in determinati contorsionismi, che di buono, mi costringono a finire in ‘fretta e furia’. Se l’oggetto del soggetto è facilmente trasportabile lo sposto come e dove gli pare a lui. In questo caso ci metto più tempo nella realizzazione.

Cogli, degli oggetti, esclusivamente i tratti generici raffreddandoli e presentando una sorta di fase progettuale. Da un lato aggiungi (il ‘valore artistico’ della mano riconosciuto dalla tradizione) e per altro verso sottrai (la ‘sintesi’ dell’immagine generata dai mass-media). Da dove nasce questa sensibilità?
Non c’é nessun tipo di scheletro strutturale in cui mi muovo, poco nella vita, nient’affatto nel disegno. Niente è premeditato, tanto meno rifinito. Non è neanche la poeticità, rigorosamente progettuale dello schizzo o bozzo, di testa o mano che sia. Non c’é lirismo autocompiaciuto ‘celebrale’ (nel senso della celebrità), non c’é nessuna voglia, niente desiderio manovale, ma solo ligia rassegnazione allo svolgimento di una pratica ‘ufficiosa et impiegatizia’. Come non lo è in nessun ragioniere, vanitosamente impiegato nello svolgimento di un lavoro in cui tende argutamente a mettere un po’ del suo, di tanto in tanto. Mentre la cosa migliore è togliere qualsiasi prurito individuale, che solletica, per sviare di certo anche la terapia occupazionale. Non c’é sensibilità, solo una testa di gomma che tende a cancellare…tanto quanto non basta.

E i titoli che accompagnano i tuoi lavori?
Non c’é verso, che il ‘verso’ anche quando sembra tale o diverso è il verbo che poi si va fatto carne. Anzi pelle. Considerando la leggerezza dermica del disegno, sempre in superficie, contenente nulla. Il disegno distrae il verso che prendon le parole, le parole parlano d’altro, diversamente da quello che mostrano gli stessi disegni. L’operazione completa, quindi, comprende titolo con realizzazione manuale. Il segno del verso è suscettibile dello stesso approccio che incontrano i versi del segno. In definitiva sposta l’eccessiva importanza che superficialmente si regala al disegno, quella visibilità sordomuta spesso sovra valutata.

Produci un numero sostanzioso di disegni che poi articoli in una dimensione installativa. Anche in passato hai lavorato con installazioni utilizzando svariati materiali. Svilupperai ulteriormente quest’ultima dimensione?
Il numero ripetitivo e accumulativo della quantità dei disegni, non va a tradire il discorso sull’economia. Ma altresì, la ripetizione apparentemente uguale ma sostanzialmente diversa dei disegnini tende per addizione a sottrarre ‘l’aurea individualistico vanitosa’ del momento ispirato dell’unico. Più sono tanti meglio spariscono. È il complesso del ‘catalogo nel dongiovannismo’. Più si è in più e meglio ci si sente soli. Niente deve spurgare di unico solo e…quello soltanto. Per quanto riguarda l’approccio installativo, ogni lavoro – che si propone – deve fare i conti con: l’esigenza del tema, il luogo che lo accoglie e lo spazio che ti concedono (mai scegliere). Tutti i lavori esposti sono istallazioni. Ogni lavoro, non è il disegno, ma il disegno, il titolo, la parete, lo spazio, il curatore, il gallerista, il critico, il catalogo e tutto quel che ne consegue. Mai l’artista, ma chi ne fa le feci.
S’inizia con carta e penna, e poi si continua con materiale umanoide. Tutta una serie di compromessi che fanno il tutto, se non ci fossero, non ci sarebbe niente. Tanto meno la voglia o stimolo che sia.

Bio
Alvise Bittente è nato a Lido di Venezia nel 1973 dove attualmente vive e lavora. Tra le mostre collettive segnaliamo: Exit, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino 2002, a cura di Francesco Bonami, Almost Famous, Galleria Comunale d’arte contemporanea e Saletta dell’ ex Fienile, Castel San Pietro Terme (BO) 2001, a cura di M.Altavilla, E. Bordignon, F. Naldi, F. Pelosi, A.Zanchetta; Pophearth e generazione MTV, Light Gallery, Faenza, a cura di G.Bartorelli e M. Zauli; Emporio, Via Farini e Care Of, Milano, a cura di A. Galletta e L. Beatrice;Lovers, Terminal, Bologna, a cura di D.Lotta e E. Bordignon; Radioestensioni Night, Covo, Bologna, a cura di M.Altavilla e D.Lotta.
galleria di riferimento Perugi, Padova

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