fino al 18.IX.2005 Wesselmann / Jaar / Galegati Roma, Macro

Roma rende omaggio ad un protagonista assoluto della storia dell’arte contemporanea, Tom Wesselmann (1931-2004), a pochi mesi dalla morte. Quattro grandi sale, quattro temi diversi (Nudi, Nature morte, Fumo, Astratti), più il grande tulipano esposto all’ingresso (Tulip, una scultura del 1983). Anziché impilare cronologicamente un itinerario espressivo peraltro di ragguardevole coerenza, si va dal ’63 ad oggi procedendo per soggetti, onde attutire l’isolamento dei (purtroppo) pochi capolavori della prima ora. L’emozione, però, è garantita: improvvisamente ci si imbatte in uno tra i candidati più credibili nell’assegnazione di un’ideale palma di “nudo del Novecento”, il Great American Nude #57 (direttamente dal Whitney di New York), e a guardarci dentro –il dipinto è coltissimo– pare di poter leggere la sensualità di Matisse e Modigliani con gli occhi, ad un tempo, del “doganiere” Rousseau e di Piet Mondrian. Per non parlare, poi, di una qualità pittorica del tutto imprevista e di come gli anni ’60 siano raccontati fino in fondo grazie a pochi, decisivi inserti (il primo topless, la poltrona maculata, il simbolo della stella in versione yeah-yeah). Quanto al resto, col baricentro spostato ben oltre la maturità, la retrospettiva vive per lo più di colore e di un repertorio fatto di dettagli che incombono come se la spazialità potesse darsi a partire dalla materia. Unghie, capezzoli stilizzati, il fumo che fuoriesce come biancheria dalle grandi bocche femminili: tante immagini che sfilano intagliate una per una, per lo più su supporti di metallo, in un reiterato blow-up dell’horror vacui cartellonistico. Perché Wesselmann è un “primitivo” di razza, che sta alla Pop Art come Depero al Futurismo; a rivelarlo arriva questa mostra che ha il merito senz’altro non trascurabile di esibire i limiti del termine storiografico pure indiscusso.
Dal grande maestro fino all’artista emergente, passando per quello affermato. Compiendo due operazioni del tutto analoghe, Alfredo Jaar (Santiago del Cile, 1956; vive a New York) e Stefania Galegati (Ravenna 1973; vive a Roma) prendono possesso delle rispettive sale declinando all’ennesima potenza il concetto di ready made, per poi animare il tutto attraverso elementi e suggestioni media concerned . Qual è, tra quelle che offre la realtà, la dimensione in assoluto meno “portatile”, la meno decontestualizzabile, se non quella monumentale? Eccoli, allora, trasferiti di peso, da un lato la spianata di un camposanto, nella fattispecie associata alla commovente ripresa video della tomba di Antonio Gramsci; dall’altro, bellissima, una copia romana del IV secolo dall’originale dell’Amazzone ferita di Policleto, con un gruppo di elementi per l’illuminazione da set direttamente puntati addosso.
Solo le implicazioni contenutistiche, a questo punto, allontanano l’orchestrazione formale dei due interventi. Quello di Jaar, Che cento fiori sboccino, già dal titolo (il tono da famous last words è quello di un verso attraverso il quale Mao Tse-Tung, citando un’antica poesia cinese, esortò gli intellettuali alla libertà di pensiero) allude alla fragilità di una condizione, quella dell’artista autentico, che è scomoda per definizione. La metafora è un po’ grossolana ma funziona: i “cento fiori” se ne stanno in un hortus conclusus tracciato dal negativo ortogonale di una scacchiera d’acciaio, dilaniati da quegli stessi ventilatori e lampioncini che, pure, dovrebbero premurosamente accudirli. Di più: il grande schermo che, là in fondo, riprende insistitamente la pietra tombale del grande intellettuale, giunge a fare dell’installazione una sala cinematografica in cui i fiorellini, prima che attori delle proprie vite, diventano spettatori semplici –e inquadrati– chiamati ad ammirare lo scempio.
Stefania Galegati, invece, sembra divertirsi. E si diverte con molto.  Posizionato davanti ai riflettori, il gesto risoluto della sua donna-guerriero si fa d’un tratto malioso o, semplicemente, timoroso. Un personaggio indomito e vecchio come il mondo che si ritrova fuori luogo e –soprattutto– fuori di sé, alleggerita dal peso dei secoli ma anche travisata –paradossalmente– dal bagliore disvelante di una raffica di fanali per dive e divette. Un dispositivo per psicofanie di limpida articolazione, un dialogo tra ready-made che si svolge tra i pertugi di un gigantesco pacco postale –un curioso box-esedra in legno, la sola cosa immobile dell’operazione– dove c’è spazio ma non c’è posto, né oggi né un tempo.

pericle guaglianone
mostra visitata l’8 giugno 2005