Galleria Continua presenta un nuovo lavoro di Daniel Buren nella sezione espositiva appositamente dedicata a installazioni in situ “One year project”, che prevede la realizzazione di progetti visibili per tutta la durata dell’anno.
L’intervento dell’artista andrà a modificare in modo sostanziale la natura originaria della complessa struttura caratterizzata da corridoi, cunicoli, stanzine, soffitti bassi e scalini che collegano i diversi livelli delle sale principali. Il nuovo percorso, realizzato attraverso la collocazione di superfici specchianti, che moltiplicano l’outil visuel dell’artista , sfrutterà la geometria dello spazio avvolgendo completamente il visitatore e regalandogli effetti di spaesamento e sorpresa.


Daniel Buren (Boulogne-Billancourt 1938) dopo la formazione all’ “Ecole des Métiers d’Art”, dal 1957 al 1960, e un rapido passaggio attraverso l’ “Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts”, all’inizio del suo percorso conduce numerose sperimentazioni, al limite tra pittura, scultura e cinema. Dai primi lavori pittorici, datati 1960, si incammina rapidamente verso un’economia di mezzi con la quale mette già in evidenza la neutralizzazione del contenuto illusionistico della pittura e l’indifferenza per il soggetto narrativo: temi centrali del suo processo artistico. Dal settembre 1965 comincia ad utilizzare una stoffa da tende rigata, le cui componenti diventano la base del suo vocabolario artistico: strisce verticali alternate bianche e colorate, larghe 8,7 cm. Questo motivo fabbricato industrialmente risponde perfettamente al suo desiderio di oggettività e gli permette di accentuare il carattere impersonale del suo lavoro, anche se in un primo tempo è utilizzato solo come supporto della pittura. Dopo l’esperienza, vissuta tra il 1966 e il 1967 con Olivier Mosset, Michel Parmentier e Niele Toroni, fondata sulla ripetizione sistematica dello stesso motivo e sulla volontà di realizzare ciascuno a suo modo “l’ultimo dipinto”, Buren comincia ad esplorare le potenzialità del motivo a strisce alternate come segno, passando così dall’oggetto-pittura a ciò che egli chiama “utensile visuale”, e dal novembre 1967 fa stampare la carta a strisce. Il cartellone e la carta dipinta gli permettono così di ricoprire le superfici più varie con una modalità d’intervento pressoché infinita; a questa data la strada è ancora uno degli spazi d’intervento privilegiati. Inventa la nozione di “in situ” nel campo delle arti plastiche, per caratterizzare una pratica intrinsecamente legata alle specificità topologiche e culturali dei luoghi dove le opere sono presentate. Nel 1968 la mostra personale alla galleria Apollinaire di Milano e la partecipazione a manifestazioni internazionali “Prospect” sempre nel 1968 e nel 1969 a Düsseldorf, segnano il vero inizio della sua celebrità. Negli anni ’70 comincia ad esporre nei musei, spesso fuori dalla Francia, e all’interno di esposizioni che lo assimilano all’arte concettuale. Da questi stessi anni le sue opere investono i più svariati supporti: muri, porte, pannelli d’affisione, indicatori stradali, la carta e la tela sotto vetro, sulle scale, sui treni, sulle navi, sotto forma di bandiere sui tetti di Parigi, di gilets per i custodi dei musei, ecc. Buren fa parlare di sé e scatena polemiche nel 1971 alla V Esposizione Internazionale del Solomon Guggenheim Museum a New York e nel 1972 alla celebre Documenta V organizzata da Harald Szeemann. Negli anni ’80, i cambiamenti politici gli permettono di occupare gli spazi pubblici in modo meno fuggevole e comincia a realizzare delle opere



permanenti, delle quali la prima e forse la più celebre è Les Deux Plateaux (1985-1986) al Palais-Royale. Nel 1986 si aggiudica il Leone d’Oro alla Biennale di Venezia per il miglior padiglione. Molto presto l’interesse di Buren si focalizza sull’ascendente dell’architettura (particolarmente quella museale) sull’arte. Egli comincia a sviluppare un lavoro più tridimensionale e una concezione dell’opera che non è più oggetto ma modulazione dello spazio. Del 1975 è la prima Cabane Eclatée che costituisce una vera svolta, accentuando l’interdipendenza tra l’opera e il luogo che la accoglie attraverso giochi sapienti di costruzione e decostruzione: l’opera stessa diventa il suo proprio sito oltre che il luogo del movimento e della deambulazione. Le proposte più recenti si presentano come dispositivi architettonici sempre più complessi, che intrattengono costantemente un dialogo con l’architettura esistente. Tali proposte si manifestano in una vera e propria alterazione dello spazio, una moltiplicazione di giochi sui materiali (legno, vinile, materie plastiche, reticolati) e in una esplosione del colore. Dopo l’inizio degli anni ’90 il colore non è più solamente applicato ai muri, ma letteralmente “installato nello spazio” sotto forma di filtri, lastre di vetro o plexiglas colorati. L’impressione di esplosione dell’opera, accentuato dall’utilizzo di specchi, incita lo spettatore ad uno spostamento non più solamente dello sguardo ma del corpo intero.