In un breve frammento poetico del 1997, Alessandro Mozzambani testimone diretto del

percorso artistico di Giancarlo Veneri (Verona 1943 – 2007) parlava di un “suggeritore

di testi mai scritti, di scenografie / immaginifiche, di commedie per fantasmi / eccentrici”.

E, osservando alcune delle opere dell’artista veronese (da No war, fatto di lance di

legno colorate a Baba Yaga, sequenza stregonesca di stazioni che si rifà ad una oscura

e misteriosa fiaba russa), si ha davvero la sensazione che l’obiettivo del suo lavoro

sia quello di produrre una sorta di plausibilità dell’assurdo, di imprevedibilità del luogo

comune, di eternità dell’istante. Un po’ come in Borges o Pessoa o Calvino. E’ una

galleria di oggetti, quelli di Veneri, dove tutto appare diverso e frammentario, ma dove

tutto è anche ininterrotto, coerente, segretamente plausibile. Egli non ricorre ad immagini

improbabili e irriverenti, al rifiuto radicale di Dada. In fondo non può neppure essere

considerato un avanguardista tout court. E’ rimasto nel solco della tradizione, usando i

suoi stessi modi, ma per colpirla dal di dentro con più sottile crudeltà. Lo spirito della sua

creatività sta in quel tanto che rivela e in quel tanto che nasconde o, meglio, in quel tanto

che si annida alle spalle delle mille cose e delle mille immagini che egli ama raccogliere,

modellare, trasformare. Non è forse, il suo, un mondo che continua nell’opera, un mondo

che s’iscrive nei “luoghi” dell’opera, per analogia, per similitudine, attraverso la metafora, il

simbolo, la citazione? E’ un po’ come cercare di prolungarne con sottile humour e ironia il

ricordo o, anche, intuirne l’altra faccia: non quella che non c’è, ma quella che non si vede

(o non sappiamo più vedere, in quanto accecati da un eccesso di visibilità).

C’è chi ha accostato le testimonianze oggettive camuffate da escursioni avventurose

di Veneri alla Pop Art o all’Arte Povera. Ma la Pop voleva desimbolizzare l’oggetto,

dargli l’opacità e l’ottusa caparbietà di un fatto. Veneri cerca invece di rivestire le sue

cianfrusaglie (o le sue messinscena) di simboli, come venissero da profondità insondabili e

non avessero ancora finito di comunicare messaggi. I “cuori” di Jim Dine, ad esempio, non

escono mai dallo schema del ricalco, dello stampino, del segnale pubblicitario, il Cuore

rosso di Veneri al contrario si copre di una pittura fatta di sussulti acidi e tempestosi;

soprattutto porta al proprio centro un viluppo di fili di ferro arrugginito che testimonia il

passare del tempo, delle memorie, delle storie (vissute o solo sognate).

Lo stesso artista in una lontana intervista dichiarava: “Per me il materiale è importante.

Ogni materiale ha una sua vitalità propria, e allora scoprire questa sua vitalità e adoperarla

fa parte della mia azione per ricavarne degli stati di tensione”. Come dire che l’obiettivo

è quello di lavorare alla scoperta del nocciolo delle cose, per ritrovarle ed esaltarle.

Intenzione, questa sì, prossima al Poverismo. Solo che Veneri ha un modo tutto suo di

interpretarlo e svilupparlo. Non “lascia intatto il valore dell’esistenza delle cose”, ma le

interroga, le apre, le moltiplica, nella convinzione di arrivare al senso nascosto da cui

prende avvio ogni evento. Fare arte allora si identifica con la vita ed esistere assume il

significato di reinventare ad ogni istante una dimensione fantastica, stupirsi per ogni fatto

( per il reale, l’irreale, il logico, la follia, l’infinito, la magia). “La fiaba” del titolo trova qui la

sua giustificazione: è l’avventura inesausta dello scoprire, del viaggiare verso mete che

non si conoscono, del saggiare come un equilibrista l’ardire dell’acrobazia. Sapendo, con

inquietudine, che non ci sarà soluzione, ma solo la possibilità di stare al gioco e nel gioco.