La vittoria sul futuro


La vittoria come fenomeno ha un’infinità di interpretazioni filosofiche, culturali, sociali, etiche e artistiche. La vittoria è anche una condizione esistenziale ed emotiva, come uno dei fattori fondanti del comportamento di ogni concreto singolo individuo e del gruppo sociale nel suo complesso. “La vittoria sul Sole”, celebre opera futurista di Michail Matjushin e Aleksej Krucenych, era stata realizzata nel 1913 quasi a presentire le incombenti catastrofi nell’inizio del XX secolo. All’inizio del XXI secolo la crisi ha paralizzato la società non tanto con la stagnazione economica, quanto con la paura di fronte al futuro.

Basandosi sull’esperienza artistica individuale e sulle tradizioni dell’avanguardia russa, profondamente radicate nell’arte russa contemporanea, i partecipanti del padiglione russo Pavel Pepperstein, Alexey Kallima, Georgy Ostretsov, Andrei Molodkin, Anatoly Shuravlev, Irina Korina, Sergei Shekhovtsov problematizzano e metaforizzano il tema della “vittoria sul futuro”, dando vita a universi artistici personali.

Brillante esponente della scuola concettuale moscovita, Pavel Pepperstjen, salito alla ribalta per i suoi disegni assurdistici raffiguranti paesaggi del futuro, alla Biennale di Venezia presenta una serie di quadri nei quali rigidi elementi suprematisti si fanno strada attraverso gli incerti contorni delle megalopoli del futuro. L’energia utopica dell’avanguardia russa si innesta sul tronco decrepito della civiltà contemporanea, nella speranza che sul nuovo giro della spirale storica questo trapianto dia vita a vitali germogli. Colonna sonora della sala sarà il rap dello stesso artista le cui note si intrecceranno con quelle della “Sagra della primavera” di Stravinskij, composta nel 1913.

Anatoly Shuravlev affronta il problema della memoria storica. Centinaia di personaggi storici del Novecento che hanno in varia misura influito sul corso della storia, da Ghandi a Einstejn, da Churcill a Picasso, raffigurati in fotografie miniaturizzate del diametro di 1 cm sono collocate all’interno di caotiche e astratte macchie nere che, come buchi neri, saturano lo spazio espositivo dal pavimento al soffitto. Il gioco con le grandezze, la testura e la struttura fa sì che il materiale fotografico risulti in un modo particolarmente intenso e tagliente, sollevando il problema del manifestarsi del futuro attraverso il passato.

Andrei Molodkin presenta un’installazione multimediale al cui interno sono disposte due sculture in vetro a sagome vuote della Nike di Samotracia, simbolo di vittoria. Una delle sculture sarà riempita di un liquido pulsante nero, il petrolio, e l’altra di un liquido rosso, il sangue. Sulle sculture sono dirette due videocamere: sullo schermo verranno proiettate, l’una accanto all’altra, le immagini delle due sculture. I flussi del liquido nero e rosso che pulsano all’interno della Nike rianimata simbolizzano l’ambivalenza di qualsiasi Vittoria.

Alexey Kallima crea degli enormi affreschi raffiguranti delle tribune traboccanti di tifosi di calcio che smaniano per la gioia della vittoria e per lo sconforto della sconfitta. Gli affreschi sono realizzati con tinte fluorescenti visibili esclusivamente con un’illuminazione a luci ultraviolette. Durante l’avvicinamento dello spettatore all’affresco, ad un certo punto scatta un interruttore che spegne la luce ultravioletta. Lo spettatore piomba in uno spazio bianco, vivendo il vuoto come inevitabile conseguenza della trionfale euforia. Il titolo del progetto, “Teorema della pioggia”, rimanda alla teoria del caos e all’impossibilità di prevedere sia gli esiti delle gare sportive, sia il corso della storia.

Irina Korina è un’artista che opera con elementi e situazioni baluginanti, articolando l’interstizio tra ricordo e premonizione. Le sue enormi fontane, realizzate con vecchie tele incerate di vario colori, ricordano bizzarre forme biomorfe, dotate di un elastico turgore.

Sergej Shekhovtsov “gioca” con i motivi dell’araldica del padiglione russo realizzato dal grande architetto Aleksej Schusev nel 1914. L’artista crea sulla facciata del padiglione un’installazione in gommapiuma, seguendo la trasformazione dei simboli del tempo moderno in una nuova araldica.
Olga Sviblova, Curatore del padiglione russo














































Pavel Pepperstein

“Perspectives of Development”. 2009

Nato nel 1966 a Mosca

Ha studiato all’ Accademia delle Belle Arti di Praga(1985-87).

Fondatore e membro del gruppo artistico “Ispezione” e “Ermeneutica medica”.

Vive e lavora in Russia e Germania.

L’ampio spettro dei talenti di Pavel Pepperstein non ci deve trarre in inganno. Può essere un raffinato grafico, creare delle fantasiose installazioni o realizzare film erotici concettuali. Scrivere romanzi, come l’epopea fantasy su vasta scala “L’amore mitologenico delle caste” (scritto a quattro mani con S. Anufriev) o creare dei piccoli raffinati gioielli come i noir “Svastica” e “Pentagono”, oppure recitare dei “rap” (come ha promesso di fare alla mostra “Vittoria sul futuro”). Ma sia l’arte figurativa che la letteratura sono per Pepperstein solo degli strumenti speculativi. Non a caso l’unione degli autori della cerchia dei “concettualisti della giovane generazione”, da lui creato negli anni Novanta, porta un nome pseudo-scientifico “Ispezione Ermeneutica Medica”.

Gli oggetti e i metodi di questa ricerca colpiscono anche per il loro carattere eccentrico (che tuttavia è difficile definire bizzarro). Pepperstein si interessa a tutto: alla psicoanalisi (sta persino scrivendo una sua versione de ”L’interpretazione dei sogni”) e al cinema hollywoodiano, all’ “inconscio collettivo” dell’ideologia sovietica e alla filosofia del concettualismo moscovita, alla schizoanalisi di Deleuze-Guattari e Castaneda, all’ortodossia e al buddhismo zen, alla letteratura classica e alla cultura contemporanea giovanile. Questa sfera di interessi riflette in un certo senso le infatuazioni della generazione alla quale Pepperstein appartiene: quella degli ultimi intellettuali sovietici che hanno avuto accesso a tutta l’informazione, fino a poco tempo prima proibita, ma che non hanno trasformato questo in una professione e non sono diventati degli intellettuali specializzati in senso stretto. Del resto Pepperstein non condivide semplicemente i gusti della sua generazione, quanto piuttosto analizza la natura stessa della loro genesi. Egli studia l’arte contemporanea, la cultura di massa, la filosofia allo scopo di individuare le fonti di questa «mitologenesi». È come se Pepperestein si inoculasse tutti i «virus» intelletuali possibili e immaginabili, sia che si tratti del «Signore degli anelli» o dei discorsi di sinistra, della nostalgia per il socialismo, recentemente comparsa nella società russa, o della cultura psicologica, per elaborare una sorta di vaccino che non priva i miti del loro elemento di fascinazione ma li rende del tutto inadatti ad un uso di massa e li priva quindi della loro natura epidemica. Pepperstein si dedica a un uso virtuoso della customizzazione o del «tuning» delle mitologie, che nella sua intepretazione acquisiscono la delicata bizzaria di un mondo immaginato, profondamente intimo. Il fututo utopico, di cui negli ultimi tempi l’artista disegna in modo appassionato i paesaggi, appare estremamente attraente in quanto si tratta di un futuro molto domestico, nel quale gli elementi delle diverse ideologie, quelle più influenti e terribili, risultano a portata di mano quasi si trattasse di souvenir di viaggi lontani disseminati all’interno di un appartamento. Potrebbe anche trattarsi di souvenir dei propri genitori, oggetti con i quali, da bambini, si era soliti giocare ancora prima di sapere da quale parte del mondo provenissero. L’«Ermeneutica medica» ha di nuovo dato vita nell’arte contemporanea al culto dell’infanzia, che, nel caso di Pepperstein, è a maggior ragione ancora più significativo in quanto l’artista è figlio della scrittrice di libri per bambini Irina Pivovariva e del pittore Viktor Pivovarov, amico di Ilja Kabakov, uno dei fondatori del concettualismo moscovita e illustratore di splendidi libri per l’infanzia. Per Pepperstein anche il concettualismo moscovita, con tutta la sua complessa filosofia, è una sorta di famigliare giocattolo. L’artista non vede nulla di strano nel maneggiare con la stessa confidenza e libertà anche tutto il resto. Addirittura egli appone una testa al «Quadrato nero» e al «Cuneo rosso» rendendoli simili alle carte delle illustrazioni di «Alice nel paese delle meraviglie». Con quadri del genere è difficile fare una partita secondo le regole delle carte da gioco, però ci si può giocare. Al tempo stesso non è più possibile inserire i quadrati e i triangoli umanizzati in una composizione suprematista, però è possibile collocarli all’interno di un paesaggio che ci ricorda il Rinascimento italiano. Nel tuo futuro privato d’infanzia non ci sarà nessuno che ti punirà per questo. In questo futuro non ci sarà spazio per tutti. Poco male, del resto: ciascuno deve avere diritto ad un proprio futuro.


Alexey Kallima

“Rain Theorem”. 2009

Nato nel 1969 a Grozny, Russia.

Si è diplomato nel 1988 alla facoltà di pittura presso l’istituto d’arte di Krasnodarsk.

Vive e lavora a Mosca.

Nato in Cecenia, nel 1994 da Grozny si è trasferito a Mosca in qualità di profugo, Alexey Kallima si è distinto come forse l’unico artista russo contemporaneo che affronti la socialmente scottante questione cecena. Protagonisti dei suoi affreschi-graffiti monumentali, che lui ha realizzato sulle pareti delle gallerie e delle sale espositive, sono dei giovani ceceni, forse dei terroristi, o semplicemente degli immigranti illegali. Questi uomini dai volti barbuti, dalle figure dotate di una selvaggia e ferina grazia, con indosso tute Adidas, occhiali scuri e berretti di maglia, si stagliano con una forza pittorica analoga ai personaggi dei film d’azione dark future o agli eori del Gangsta rap, quali esponenti di una nuova subcultura, a loro modo delle “icone di stile” della street fashion. Alcuni di questi graffiti sono stati da Kallima realizzati con tinte fluorescenti, visibili solo “alla luce nera”, il che significava che il lavoro poteva essere visto soltanto in una sala oscurata e nel momento in cui veniva accesa la luce abituale, l’immagine scompariva. Come si conviene ai personaggi che vivono fuori della legge (o delle paure), gli eroi di Kallima vivono solo nel buio. Appunto “notturno” era anche il monumentale affresco “Chelsey – Terek” che rappresentava una partita di calcio immaginaria tra una squadra di calcio inglese e una cecena. Lavoro che gli è valso il premio statale per l’arte contemporanea, “Innovazione”.

Alexey Kallima fa indossare ai suoi protagonisti le tute Adidas inserendoli all’interno di uno stadio non soltanto perché lo sport e le tute sportive appartengono, a tutti gli effetti, agli strati anche più emarginati della popolazione. La stessa estetica degli affreschi rimanda non soltanto ai graffiti o ai fumetti, ma anche all’aspetto eroico dello sport decantato dall’arte del realismo socialista, nella sua massima espressione, alle fotografie di Rodchenko e alle tele di Dejneka. Gli emarginati di Kallima, che si muovono in bande, clan, gruppi, carichi di un’energia tribale intensa e primordiale, rappresentano il riflesso del “corpo collettivo” pervaso di esultanza dell’utopia sovietica oppure quello delle famigerate “masse rivoluzionarie” pronte a esplodere. Questa stessa massa, lacerata da conflitti interni ma al tempo stesso animata da uno stesso afflato collettivo, si presenta anche nell’affresco “La teoria della pioggia”, creata da Kallima per il Padiglione russo. E, benché si tratti di una massa di tifosi all’interno di uno stadio di calcio, il titolo stesso del suo lavoro rimanda ad alcune tele classiche di Pavel Filonov come “La formula della primavera” e “La formula del proletariato d’Ottobre”. In questi personaggi, uniti non soltanto dall’orgoglio per i “nostri” ma anche dall’odio per gli “altri”, l’artista contemporaneo cerca di analizzare quegli stessi macroprocessi di massa, che travalicano l’aspetto prettamente individuale, proprio come il pittore avanguardista russo aveva fatto in un paese che, nei primi trent’anni dello scorso secolo, stava subendo un cataclisma storico. “Il teorema della pioggia”, così come le opere di Kallima della serie “cecena”, si vede solo alla “luce nera”. Lo spettatore ad un certo punto assisterà al dissolversi della folla raffigurata sulle pareti, rimanendo in solitudine, capendo, forse, che le urla dei tifosi erano rivolte proprio a lui. Così come nel happening “Siete lì dove siete assenti”, organizzato da Kallima nel 2002 nella galleria “Francia” da lui creata, dove ogni visitatore che entrava nello spazio espositivo veniva accolto, con suo massimo stupore, da un fervente applauso.


Andrei Molodkin

“Le Rouge et le Noir”. 2009

Nato nel 1966 a Buj, Russia.

Si è laureato nel 1992 presso l’Università Statale d’Arte di Mosca S.G. Stroganov.

Vive e lavora a Parigi, Mosca e New York.

Nell’arte di Andrei Molodkin è difficile non scorgere evidenti rimandi alle icone della Pop Art e del Concettualismo quali Andy Warhol, Ed Ruscha, Joseph Koshut. Molodkin non si stanca di riprodurre gli arcinoti simboli del dollaro o dell’euro, dell’Apollo del Belvedere o della Nike di Samotracia, e riporta nei suoi progetti artistici le parole che si incontrano con maggiore frequenza da FUCK a DEMOCRACY, con le quali ricopre le pareti sotto forma di tubi ricurvi oppure sospendendole nello spazio in caratteri cubitali di grandi dimensioni. In verità, a differenza dai classici del Concettualismo e della Pop Art, i segni di Molodkin non sono né vuoti, né astratti. L’artista li riempie, nel vero senso della parola, di un contenuto il più materiale possibile. Ad esempio di petrolio. Proprio questa sostanza scorre, al posto della luce, lungo le tubature che compongono gruppi di parole, riempie grandi lettere-scultura in plastica oppure sciaborda, come in un acquario, all’interno della figura trasparente della Nike di Samotracia. La scultura gemella è invece riempita di un altro liquido, non più nero, bensì rosso, ovvero di sangue. L’idea dell’artista è chiaramente palese: non esiste un concetto talmente elevato e astratto in grado di mantenere il proprio significato se si rende visibile il suo “contenuto”, i soli significati che esistono nel mondo contemporaneo, così come se lo immagina l’artista, sono quelli di: potere, ricchezza, forza, dolore. Del resto anche queste sostanze visibili, che pulsano nelle vene della realtà, rimangono impercettibili. Lo spettatore non può sentire la viscosità del sangue o la densità del petrolio, percepirne l’odore e il sapore, cioè provare avversione e prendere fino in fondo coscienza del fatto che un mondo costruito sul denaro e sulla morte è davvero una brutta cosa. Al contrario, gli oggetti di Molodkin appaiono sterili ed ermetici. Il famigerato conflitto tra forma e contenuto appare in tal modo insolubile. Non si può credere alle parole, ma anche l’autenticità del loro contenuto può essere solo oggetto di fede.


Irina Korina
“Fountain”. 2009

Nata nel 1977 a Mosca.

Si è diplomata nel 2000 alla facoltà di scenografia presso l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica di Mosca (GITIS).

Ha studiato all’Istituto delle problematiche dell’arte contemporanea seguendo il corso “Nuove strategie artistiche”; al Centro d’arte contemporanea G. Soros (1999-2000); alla Valand Academy of Art, Goteborg, Svezia (2000); all’Accademia d’Arte di Vienna, (2002-2005).

Vincitrice del premio teatrale “Debutto” (1999), del premio “Compagno” (2006), nel premio Statale nel settore dell’arte contemporanea “Innovazione”, è stata nominata per il premio “Nuova generazione” (2008).

Vive e lavora a Mosca.

Irina Korina è una delle più brillanti e paradossali eredi della tradizione di Ilja Kabakov sia per quel che riguarda la tradizione da lui sviluppata dell’”installazione totale”, sia nella puntuale analisi, sia visuale che concettuale, del quotidiano ambiente in cui vivono i russi contemporanei. Scenografa di formazione, la Korina sa lavorare meravigliosamente con lo spazio. I lavori dei primi anni del 2000 con cui si è fatta conoscere, rappresentavano degli spazi che assorbivano completamente lo spettatore e al cui interno lei sprofondava come nel proprio inconscio. Persino il retaggio dell’estetica e dell’ideologia sovietica si presentava nella giovane artista come l’immagine di ricordi infantili non tanto del passato, quanto di sensazioni legate a un futuro che non si è realizzato. “Indietro nel futuro” si intitola una delle sue più note installazioni: un angusto spazio labirintoidale, dietro le pareti del quale lo spettatore intravedeva un mosaico con le gigantesche effigi di cosmonauti, stilizzati secondo gli stilemi monumentali dell’epoca brezhneviana.

Tuttavia negli ultimi tempi le installazioni della Korina sembra quasi siano state rivoltate come un guanto: all’artista interessano non tanto gli spazi che inglobano lo spettatore, quanto le superfici, protettive, mimetizzanti, ma anche ingannevoli.

L’artista si è dedicata ad una soi disant sociologia del design, non quello proposto dalle riviste patinate, ma quello che le persone abitualmente acquistano. La Korina studia l’ambiente abitativo postsovietico con la stessa meticolosità applicata da Kabakov nell’analizzare gli appartamenti in coabitazione di era sovietica, ma con un senso di compassione diverso, scevro da sentimenti come disprezzo o superiorità, anzi, al contrario, cercando di condividere l’idea di comodità, comfort ed estetica della “bella vita”. Fonte di ispirazione dell’artista sono diventati i centri commerciali dedicati ai materiali di arredo e di costruzione, e il suo materiale preferito sono diventati i linoleum autoadesivi che imitano il legno e il mattone, il marmo e la malachite così come le colorate tele incerate con i più svariati decori. Questi materiali figurano infatti nell’installazione ideata per il padiglione russo. A differenza dell’estetica pragmatica e funzionale di questa produzione internazionale (una sorta di IKEA), che propone al consumatore di farne un uso razionale, i materiali utilizzati dalla Korina è come se andassero al di là dei desideri più sfrenati dell’utente. Il linoleum autoadesivo si trasforma non soltanto in semplici listoni in legno, ma anche nella malachite o nel marmo tipici dei palazzi, e la tela incerata prende le sembianze di un prezioso drappo di seta. Tutti elementi che in un certo senso risalgono all’estetica sovietica, la quale si elevava al di sopra della quotidianità, a quel lusso retorico che esigeva, ad esempio, che le stazioni della metropolitana apparissero come palazzi. Bramose di bellezza, a cui l’utente finale abituato a moderare le proprie esigenze ha ormai perso ogni speranza, queste superfici sono sul piede di una rivolta: non vogliono più ricoprire tavoli o pareti, ma danno vita a bizzarre forme nuove. Come, ad esempio, a pompose fontane tragicomiche, che rimandano alle famose fontane ricoperte d’oro e di ceramica colorata del Centro Espositivo VDNKh di Mosca, sorto in epoca staliniana e incarnazione dell’imminente paradiso comunista. Nell’installazione creata da Irina Korina per la mostra “Vittoria sul futuro” si può osservare come nella produzione di oggetti kitsch di uso quotidiano continui a vivere, a livello inconscio, il desiderio sovietico del lusso dei palazzi, destinati a tutti una volta conseguito il comunismo: un’utopia diventata da tempo retaggio della storia.


Georgy Ostretsov

“Art Life or The Torments of Creation”. 2009

Nato a Mosca nel 1967.

Ha ultimato nel 1984 l’istituto artistico-teatrale presso il Teatro Bolshoj di Mosca.

Ha vissuto e lavorato a Parigi (1988-1998).

Attualmente vive e lavora a Mosca.

Georgy Ostretsov è diventato famoso ancora durante gli anni della Perestrojka. In quel periodo, l’esordiente artista lavorava sul crinale tra l’arte contemporanea e la moda di tendenza avanguardista, ispirata all’estetica del costruttivismo e ai movimenti d’avanguardia degli anni della rivoluzione, che il grande pubblico in quegli anni andava riscoprendo. Dal 1988 al 1998 l’artista ha vissuto a Parigi, dove ha proseguito il suo fare artistico nell’alveo della moda di ispirazione avanguardista estremizzando al massimo le forme degli abiti-oggetto da lui creati. Nella capitale francese si è inoltre avvicinato al mondo del fumetto. Dall’interazione di questi due interessi è con ogni probabilità scaturita l’idea di creare delle maschere in latex che Ostretsov continuerà a realizzare por molti anni. Ancora durante gli anni parigini è stata da lui organizzata una performance in occasione dell’inaugurazione di un gruppo di nuove galleria nel XIII arrondissement nel corso della quale aveva fatto indossare ai galleristi le maschere di noti supereroi del mondo dei fumetti. Questa performance può essere considerata una sorta di punto di partenza di un progetto di lunga durata di Ostretsov, intitolato“Il nuovo governo”. Una storia (anti)utopica su uno stato i cui governanti non compaiono mai in pubblico se non indossando spesse maschere nere in latex, storia che l’artista ha narrato in molte mostre e performance. L’artista aveva addirittura istituito un’onorificenza, conferita a nome del Nuovo governo, i cui premiandi erano scelti dall’unione dei pittori di Mosca. Nonostante tutta la sua ambiguità il “Nuovo governo” (che l’artista a volte esaltava a volte invitava a rovesciare) indicava che in primo luogo era in mano a chi si occupa di arte. Mentre le maschere che passano inavvertitamente da un governante all’altro (tanto che i suoi sudditi, secondo l’idea di Ostretsov, neppure si accorgono del passaggio delle consegne), non solo evitano i pericoli legati al “culto della personalità”, ma garantiscono al “Nuovo governo” un’immortalità simile a quella che hanno le opere d’arte che sopravvivono ai suoi creatori. Questo desiderio legato all’arte come mezzo per acquisire l’immortalità, anche a costo di fare a meno del corpo nella sua effimera essenza, è ironicamente presente anche nell’installazione che Ostretsov ha realizzato per la “Vittoria sul futuro”. Ritrovarsi nel futuro, anche se non lo si potrà vedere. L’artista si trasforma in un manichino meccanico capace di produrre arte all’infinito. E il volto dello stesso Ostretsov, che copre quello del manichino, è una sorta di maschera del “Nuovo governo”, ben più terribile in quanto sotto di essa non si cela nulla.


Anatoly Shuravlev

“Black Holes”. 2009

Nato nel 1963 a Mosca.

Vive e lavora a Berlino e a Mosca.

Catherine Baker


Possiamo definire Anatoly Shuravlev un corridore sulle lunghe distanze. Questo artista si è affacciato sulla scena dell’arte contemporanea, in modo molto attivo, alla fine degli anni Ottanta e da allora sono ormai quasi vent’anni che fa da spola tra Berlino e Mosca, sua città natale.

Inizialmente Anatoly Shuravlev si era interessato all’analisi semiotica della parola e del testo. Nei suoi primi lavori pittorici, negli oggetti e nelle installazioni la sua ricerca ruotava attorno ai concetti di “verità” e rappresentazione, “significante” e “significato”. Successivamente, all’inizio degli anni Novanta, il suo fare artistico ha subito una forte svolta in quanto ha cominciato a lavorare con la fotografia operando una riflessione sul modo in cui questo genere di arte tratta l’immagine.

Tra i suoi lavori, ad esempio, una serie di fotografie di incisioni del XIX secolo, realizzate da etnografi occidentali nel corso delle loro spedizioni in alcuni siti storici dell’Egitto oppure nelle foreste pluviali del Brasile. Dopo un particolare procedimento fototecnico, l’artista le ha elaborate in modo tale da far dissolvere le incisioni, create in un’epoca in cui la fotografia in senso tecnico non esisteva, nell’immagine “fotografica” dei luoghi rappresentati (“Fotografia impossibile”).

Al tempo stesso l’artista era consapevole della componente ideologica che stava alla base delle sensazioni che gli esploratori stranieri avevano provato nel corso delle loro spedizioni. In un certo senso le immagini da loro realizzate possono essere definite come ritratto dell’“altro”.

Anatoly Shuravlev aveva proseguito la sua ricerca degli aspetti della “politica della rappresentazione” in molti altri progetti basati sulla fotografia. In questo processo le stampe fotografiche di dimensioni microscopiche, 10 x 8 mm. o del diametro di 10 mm., sono diventate la sua cifra stilistica distintiva. Queste miniature venivano montate su sfere di plastica e disposte lungo le pareti dando vita a grossi agglomerati dotati di forme diverse. Di solito le stampe rappresentavano degli scatti fotografici, realizzate dall’artista con la sua macchina fotografica analogica, di immagini tratte da riviste, televisione, film e internet. Quello che lo spettatore può vedere o riconoscere in queste minuscole fotografie non è chiaro fino in fondo. E sebbene si sia in grado di riconoscere alcuni volti noti, paesaggi, oggetti e persino parti di corpo umano, è praticamente impossibile formulare alcunché di preciso rispetto ai dettagli dell’immagine.

La percezione del progetto realizzato con le miniature fotografiche è indissolubilmente connesso al processo che si verifica guardando la televisione quando si passa da un canale all’altro e si percepisce l’immagine nella sua interezza senza avere la possibilità di coglierene i dettagli. In senso astratto, questo specifico metodo di percepire l’opera d’arte o il mondo mediatico può essere paragonato alla nostra percezione del mondo.

Nel progetto intitolato “Buchi neri”, l’artista sviluppa lo stesso tema e analizza l’aspetto della percezione del mondo alla luce della contrapposizione tra fotografia e pittura. Si tratta di un’installazione totale inserita in uno spazio le cui pareti sono ricoperte di colature formaliste di tintura nera, che ricordano l’Action painting degli anni 1950.

A distanza, questi affreschi si percepiscono come una struttura astratta, quasi un simulacro dell’universo, in quanto avvolge lo spettatore da tutti e quattro i lati. Ad una più vicina visione, al centro di ogni macchia nera si intravedono delle piccole fotografie rotonde del diametro di 10 mm. che raffigurano una miriade di personaggi storici, da Gandhi a Einstein, da Madonna o Obama, tutte quelle persone particolari che hanno cambiato il mondo. Man mano che si aumenta la distanza le macchie nere cominciano ad apparire come dei buchi neri cosmici, la cui forza centripeta ingloba le fotografie. In questo senso Shuravlev crea un mondo che non appare più come unitario, ma che si manifesta attraverso i dettagli. Un mondo che ha le qualità non di un cosmo unitario, ma di un universo frammentato.


Sergei Shekhovtsov

“CARTOUCHE”. 2009

Nato nel 1969 a Sal’sk, Russia.

Si è diplomato nel 1996 all’Accademia d’Arte Surikov di Mosca.

Vive e lavora a Mosca.

Sergei Shekhovtsov è talmente fedele al suo materiale preferito che c’è stato un tempo in cui firmava le sue opere come Sergej Porolon Shekhovtsov (in lingua russa «Porolon» è l’equivalente di poliuretano. N.d.T.). L’artista lavora con questo materiale dal 2001 e realizza con esso praticamente tutto, si pensi in primo luogo alle sculture di persone fatte con il poliuretano. Oppure quelle raffiguranti i visitatori di un museo o il pubblico all’interno di una sala cinematografica, come nell’installazione presentata da Shekhovtsov alla Biennale di San Paolo in Brasile. Non è certo un caso che i personaggi in poliuretano realizzati dall’artista spesso rappresentano un qualche genere di pubblico. Lo stesso Shekhovstov ha una volta detto che per lui questo materiale è quello che si utilizza per fare divani, un luogo di meditazione, di riflessione, di desiderio, di sogno. Si tratta cioè di un materiale passivo e malleabile. Tuttavia Shekhovtsov lo utilizza come se fosse legno o marmo, imprimendo ad esso, per mezzo di tagli netti, talvolta quasi crudeli, dei contorni decisi. I lavori di Shekhovtsov sono una sorta di inganno, la cui vera natura gli spettatori capiscono non subito e con stupore. In questo senso l’artista è vicino e al tempo stesso specularmente opposto alle celebri sculture di Jeff Koons: palloncini gonfiabili realizzati in acciaio inox. Sia Koons che Shekhovtsov giocano con l’ambivalenza del morbido e del duro, del solido e dell’effimero, del prezioso e dello scadente, dell’adulto e dell’infantile, del forte e del debole. Koons dà una super solidità e un super valore a oggetti di largo consumo e di scarsissimo valore. Shekhovtsov, al contrario, conferisce alla soffice, amorfa gommapiuma l’apparenza di qualcosa di grezzo, solido e resistente. Non a caso l’artista realizza spesso sculture e installazioni che mettono in parodia i diversi modelli di potenza, forza e grandezza, come un pomposo trono decorato con l’aquila bicipite, emblema della Russia zarista e postsovietica, oppure il simbolo della moderna forza e fragilità: la moto. Shekhovtsov offre allo spettatore la possibilità di fare un’eccezionale scoperta sia il simbolo della potenza del nuovo Stato russo, che il cavallo d’acciaio di un grande «macho» sono in realtà realizzati in gommapiuma, un materiale che si associa alla cucina, alle faccende domestiche e ai miserabili giochi per l’infanzia sovietici.

L’installazione presentata al Padiglione russo ha una duplice lettura: la moto in poliuretano, nonostante la sua teatralità e morbidezza, ha «sfondato» la parete del padiglione e, a differenza di una moto autentica, in acciaio e metallo, questa, fatta con un materiale composto da una miriade di bolle d’aria, non si distruggerà mai, forse non cadrà mai a terra, si solleverà in aria e continuerà il suo volo.

Pavel Pepperstein


Mostre personali:

2009 EITHER-OR, Kewenig Galerie, Cologne

2008 EITHER-OR, Regina Gallery, Moscow

2007 CITY of RUSSIA, Regina Gallery, Moscow

Talking Animals, Galerie Kaufmann, Zurich

Landscapes of Future, Gallery of Modern Art, Vancoover, Canada

2006 Landscapes of Future, Galerie Kamm, Berlin

Drawings, Kunstmuseum, Basel

Pentagon, Regina Gallery, Moscow

Drawings, Artplay, Moscow

2005 Europa, Galerie Wallbroel, Dusseldorf, Germany

Riders, Ministry of Culture, Dusseldorf , Germany

Riders, Gallery Sutton Lane, London

2004 Hypnosis, Regina Gallery, Moscow

Flags and Flowers, Sutton Lane, London

Hypnosis, Spovieri Gallery, London

Hypnosis, Gallery Kaufmann, Zurich

Eyes, Galerie Kamm, Berlin

2003 The Battles, Regina Gallery, Moscow

Political Hallucinations, Gallery Kamm, Berlin

2002 Gods and Monsters, Neuer Aachener Kunstverein, Germany

America, Gallery Ursula Walbrol, Dusseldorf, Germany

Drawings, Larivier, Paris

Dreams and Museum, Kunsthaus Zug, Switzerland

2001 The Girl and the Tunnel, Kaufman, Zurich

Die Ausstellung eines Gespraches: ( with Groys and Kabakov), Kunsthaus,

Zug, Switzerland

2000 Away from the Labyrinth (with Greenman), Museum of Israel, Jerusalem

Russian Novel 2000, Regina G allery, Moscow

Moses (with group “Russia”), KunsHouse, Zug

How to Meet an Angel (with I.Kabakov), Gallery Sprovieri, London

Two Angels (with V.Pivovarov), Karmelienkloster, Graz, Austria

1999 The Father and the Son (with V.Pivovarov), Kunsthaus, Zug, Swithzerland

1998 Binoculars and Monoculars. Life and work, Kunsthaus, Swithzerland

1997 Portrait of an Old man, State Russian museum, St.Petersburg

Mostre collettive:

2007 MOSCOPOLIS. Espace Louis Vuitton, Paris

MuHKA, Antwerpen, Belgium

Woe from Wit, Vera Pogodina Gallery, Moscow

Intellectual Realism. 2 Moscow Biennale of Contemporary Art, State Tretyakov

Gallery, Moscow

2004 26th Biennial de Sao Paulo, Ciccillio Matarazzo Pavilion, Sao-Paulo, Brasil

Moscow-Berlin 1950-2000, Central Historical Museum, Moscow

2003 Berlin-Moscow 1950-2000, Martin-Gropius-Bau, Berlin, Germany

Neue Ansaetze. Zeitgenoessische Kunst aus Moskau. Kunsthalle, Düsseldorf, Germany

2002 Contemporary Russian Painting, New Manezh Exhibition Hall, Moscow

1999 Crazy Twin. Moscow, Nizhny Novgorod, Samara, Ekaterinburg, Russia; Strasburg,

France

2000 Neues Moskau, Ifa-Galerie, Berlin

1995 Kunst im Verbogenen, Nonkonformisten Russland 1957-1995, Collection

of contemporary art, Tsaritsino Museum; Willhelm-Hack Museum,

Ludwigshafen-am-Rhein; Documenta-Halle, Kassel; Staatliches Lindenau

Museum, Altenburg, Germany

in Moskau… in Moskau…, Badischer Kunsverein, Carlsruhe, Germany


Alexey Kallima

Mostre personali:

2008 Capitalism Garbage. Ecole Nationale Superieure d'Art de Bourges, France

Unnamed Hill. M&J Guelman Gallery. Moscow

Chechen Women’s Team of Parachute Jumping. Lehmann Maupin Gallery, New York

Closed Party. Volker Diehl Gallery, Berlin

2007 Sky Patrol. Galerie Ann de Villepoix, Paris

2006 Dead Calm, Chechnya. White Box Gallery, New York

Private Experience. M&J Guelman Gallery, Moscow

2005 19.45. Gallery S’Art, Moscow

You And Your Friend From Malgobek, Dom Culture Centre, Moscow

Break 10 MIN., Art-Strelka, Vitrina Gallery, Moscow

Chronicles. Reflex Gallery, Moscow

2004 Guries And Relapes. M&J Guelman Gallery, Moscow

Minutka. State Tretyakov Gallery, Moscow

2003 Case On the Roadside, or Examination On Roads, M&J Guelman Gallery, Moscow

Tomorrow. Wall Graphic. France Gallery, Moscow

Distance. State Tretyakov Gallery, Moscow

2002 Zefirs (performance). France Gallery, Moscow

Monument to Victims (action). France Gallery, Moscow

2001 You Are There Where Are Absent. France Gallery, Moscow

2000 SES, action in Moscow Kremlin on Presidential election day. Moscow

Mostre collettive:

2008 Thaw. Chelsea Art Museum, New-York

2007 Thaw. State Russian Museum, Saint-Petersburg

Diary of the Artist. 2nd Moscow Biennale of Contemporary Art, Central House of Artist, Moscow

Witnesses of The Impossible. Moscow Center of Art, Moscow

Sots Art. State Tretyakov Gallery, Moscow

Free Party-2, Ecole des Beaux-Arts, Grenoble, France

The Future Depends On You. Moscow Museum of Modern Art, Moscow

HETEROTOPIA 1st Thessaloniki Biennial of Contemporary Art, Greece

Opening of the Contemporary Art Museum ART4.RU, Moscow

Moscopolis. Espace Louis Vuitton, Paris

Baroque. Moscow Museum of Modern Art, Moscow

Sots Art. Art politique en Russie de 1972 à aujourd'hui. La Maison Rouge, Paris

2006 Rebels. Galerie Volker Diehl, Berlin

Contemporary Art Lexicon. Article 1. Identity. The Elena Berezkina Foundation For Visual Art

Support “ERA”, Moscow

Origin of Species. Contemporary City Foundation, Moscow

Questions of Identity. Chamelion Gallery, Walsall

Moscow News. The National Gallery, Veletrzny Palac, Prague

2005 Act of Charity. France Gallery, Zverev Center of Contemporary Art, Moscow

Dialectic of Hope. 1st Moscow Biennale of Contemporary Art, Lenin Museum, Moscow

8th Kaliningrad Biennale of Graphic, Russia

4th Shiryaevo Biennale of Contemporary Art, Samara, Russia

Russian Pop-Art. State Tretyakov Gallery, Moscow

Europalia. Russia Festival, Brussels, Belgium

Portrait of Face. M’ARS Centre for Contemporary Arts, Moscow

Artist And Weapon. M’ARS Centre for Contemporary Arts, Moscow

Moscow Breakthrough. The Bargehouse, London

2004 Se opp! Kunst fra Moskva og St. Petersburg = Watch Out! Art from Moscow and St. Petersburg.

National Museum of Art, Oslo, Norway

Beyond the Red Horizon. Contemporary Art from Poland and Russia. Centre for Contemporary Art

at Ujazdowski Castle, Warsaw

2003 Fashion Control. M&J Guelman Gallery, Moscow

Hunger-Strike. Zverev Center of Contemporary Art, Moscow

Art-Klyazma Festival of Contemporary Art, Moscow region, Russia

STOP! WHO GOES? National Centre of Contemporary Art, Moscow

Same Old Sun Everywhere. France Gallery, Moscow

New Countdown. Digital Russia with SONY. Central House of Artist, Moscow

2002 Davaj! Russian Art Now. Postfuhrampt, Berlin, Germany; Museum für Angewandte Kunst (MAK),

Vienna, Austria

Made in France (with Radek Group). Sakharov Center, Moscow

Instead of Art. Zverev Center of Contemporary Art, Moscow

Melioration Festival of Contemporary Art, Moscow

STOP! WHO GOES? National Centre of Contemporary Art, Moscow

100% Vision. Regina Gallery, Moscow

Pop/Art. Zverev Center of Contemporary Art, Moscow

Georgia From/To. Zverev Center of Contemporary Art, Moscow


Andrei Molodkin

Mostre personali:

2009 Liquid Modernity. Orel Art UK, London

2008 Liquid Black After Liquid Sky. Pack Gallery, Milan, Italy

Touchy art ( Tachi's art). Nina Lumer Gallery, Milan, Italy

Guts à la Russe. Orel Art Gallery, Paris, France

2007 Sweet Crude American Dream. Daneyal Mahmood Gallery, New York, USA

Direct From The Pipe. Anne + Art Projects, Ivry-Sur-Seine, Paris, France

G8. Kashya Hildebrand Gallery, Zurich, Switzerland

2006 Empire at War. Daneyal Mahmood Gallery, New York, USA

Cold War II. Orel Art Gallery, Paris, France

Sweet Crude Eternity. Kashya Hildebrand Gallery, Zurich, Switzerland

2005 Sweet Crude Eternity. Kashya Hildebrand Gallery, New York, USA

2004 Notre Patrimoine. European Parliament, Brussels, Belgium

2003 Love Copyright. Kashya Hildebrand Gallery, New York, USA; Orel Art Gallery, Paris, France

2002 Polius. Orel Art Gallery, Chapelle Saint Louis de la Salpêtrière, Paris, France

2001 Novonovosibirsk. State Russian Museum, Saint-Petersburg,

The Schusev State Museum of Architecture, Moscow, Russia

Blue Dream. Freud's Dream Museum, St. Petersburg, Russia



Mostre collettive:

2008 Russian Dreams…The Bass Museum of Art, Miami Beach, USA

Adventure of the Black Square. State Russian Museum, St. Petersburg

Decked Out. Burton's Gallery, Burlington, USA

2007 Paper Trails–New Adventure in Drawing. V1 Gallery, Copenhagen, Denmark

East/West. Orel Art Gallery, Paris

Bushels, Bundles and Barrels, Superfund Investment Center, New York, USA

2006 Petrodollar, Pierogi Gallery and Ronald Feldman Fine Arts, Miami, USA

2004 Trash Resources. Kashya Hildebrand Gallery, New York, USA

Praying For Oil. Orel Art Gallery, Flash Art, Milan, Italy

2003 Underground City. Labin, Croatia

Neue Ansaetze. Zeitgenoessische Kunst aus Moskau. Kunsthalle, Düsseldorf, Germany 2002 Polius. IV International Month of Photography in Moscow “Photobiennale-2002”,

Museum “Moscow House of Photography”, Moscow

Biesterfeld Art Management. St. Moritz, Switzerland

2001 Novonovosibirsk. State Russian Museum, New Academy, Saint-Petersburg;

The Schusev State Museum of Architecture, Moscow

2000 III International Month of Photography in Moscow “Photobiennale-2000”, Museum “Moscow House of Photography”, Moscow


Irina Korina

Mostre personali:

2009 Installations. Moscow Museum of Modern Art, Moscow

2008 Invisible Distinction (in cooperation with Zhanna Kadyrova and Diana Machulina).

Art-Strelka Projects Gallery, Moscow

Night Charge. XL Gallery, Moscow

2007 : )) XL Gallery, Moscow

2006 Top Model. Contemporary City Foundation, Moscow

Positive Vibrations. XL Gallery, Moscow

2005 Station Keeper. XL Gallery, Moscow

Acceleration. Dom Culture Center, Moscow

External Unit. ABC Gallery, Art-Strelka, Moscow

2004 Back to the Future. XL Gallery, Moscow

2003 Urangst. XL Gallery, Moscow

Artists Portrait in Youth. Goethe-Institut, Moscow

2001 Camouflage. XL Gallery, Moscow

2000 29 transformations. XL Gallery, Moscow

Mostre collettive:

2008 Invasion : Evasion. Baibakov Art Projects, Moscow

Russian Poor. River Terminal, Perm, Russia

News. Gallery Municipal Exhibition Center, Izhevsk

Fast Art 24. WINZAVOD Moscow Contemporary Art

Center, Moscow

U-TURN. Quadrennial for Contemporary Art. Carlsberg brewery, Tap E, Kopenhagen, Denmark

2007 Arch-Town. Shargorod, Ukraine

Sots Art. Political Art in Russia. State Tretyakov Gallery, Moscow

Urban formalism. Moscow Museum of Modern Art, Moscow

I Believe. 2nd Moscow Biennale of Contemporary Art, WINZAVOD Moscow Contemporary Art

Center, Moscow

Witnesses of the Impossible. Moscow Art Center, Moscow

Progressive Nostalgia. Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci, Prato, Italy

Sots Art. Art politique en Russie de 1972 à aujourd'hui. La Maison Rouge, Paris

2006 Modus R. Russian Formalism today. Newton Building, Miami, USA

2005 P.S. Beyond the Red Horizon. National Center of Contemporary Art, Moscow

Angels of History. Moscow Conceptualism and Its Influence. Museum van Hedendaagse Kunst,

Antwerp, Belgium

Dialectic of Hope. 1st Moscow Biennale of Contemporary Art, Lenin Museum, Moscow

International Biennale of Contemporary Art "Second Sight". The National Gallery, Veletrzny Palac, Prague

Moscow Breakthrough. The Bargehouse, London

Russian Pop Art. State Tretyakov Gallery, Moscow

Reflection. National Center of Contemporary Art, Moscow, Nizhny Novgorod, Ekaterinburg

Brussland. Europalia.Russia Festival. Brussels, Belgium

Orient Inn. Palazzo Pesaro Papafava, Venice, Italy

New Acquisitions. From NCCA collection. National Center of Contemporary Art, Moscow

Playground. Design and Architecture Center Artplay, Moscow

WAM 8 1/2: video art. WAM Gallery, Moscow

2004 Ha kypopt! Russian Art Today. Kunsthalle, Baden Baden, Germany; New Manege Exhibition

Hall, Moscow

Art-Klyazma 3rd Festival of Contemporary Art, Moscow region, Russia

Art Moscow Studio. Central House of Artist, Moscow

Beyond the Red Horizon. Contemporary Art from Poland and Russia. Centre for Contemporary

Art at Ujazdowski Castle, Warsaw, Poland

2003 Werkelijkheidshorizonten / Horizons of Reality. Museum van Hedendaagse Kunst, Antwerp

Art-Klyazma 2nd Festival of Contemporary Art, Moscow region, Russia

New Countdown. Digital Russia with SONY. Central House of Artist, Moscow

2002 Pop/Art. Zverev Center of Contemporary Art center, Moscow

Melioration Festival of Contemporary Art, Moscow region, Russia

Latest Report. Toliatti - Samara - Nizhny Novgorod Art museum - Novosibirsk Art Gallery

Expectation. From Experiences of Russian Middle Class. Central House of Artist, Moscow

2001 Partnership for Art, Russian-Swedish project. Central House of Artist, Moscow

Defile in Cloakroom. L Gallery, Moscow

2000 Youth Meets the Third Millenium. III International Month of Photography in Moscow

«Photobiennale-2000”, Central House of Artist, Moscow

Valand Spring Exhibition. Valand Academy of Fine Arts, Goteborg, Sweden

1999 Vinyl Bones. XL Gallery, Moscow


Georgy Ostretsov

Mostre personali:

2009 Coolville. Claire Oliver Gallery, New York.

Robbing Good. Paradise Row Gallery, London.

2008 Dead Souls. Triumph Gallery, Moscow.

2007 Salon Beaute. Rabouan-Moussion Gallery, Paris

Under Repair. Moscow Museum of Modern Art, Moscow

2006 5th Ceremony of Awarding the New Government’s Order to the best people

of Russia. M&J Guelman Gallery, Moscow

2005 Outrage. M&J Guelman Gallery, Moscow

2004 War. M&J Guelman Gallery, Moscow.

2003 Eat the Halfwit. State Tretyakov Gallery, Moscow

2002 Vandals and Generals of the New Government. M&J Guelman Gallery, Moscow

2000 Visitor. State Russian Museum, Saint-Petersburg

New Government. M&J Guelman Gallery, Moscow

2000 Diventa la Vittima. Nadia Baldeschi Arte Contemporanea, Venice, Italy

Mostre collettive:

2009 Another Mithology. National Centre of Contemporary Art, Moscow

2008 Russian Roulette. Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden, Germany

Domestic Appliance. Flowers East Gallery, London

Laughterlife. Paradise Row Gallery, London

2007 Austrian Story. Moscow Museum of Modern Art, Moscow

Artist`s Diary. 2nd Moscow Biennale of Contemporary Art, Central House

of Artist, Moscow

Sots-Art. 2nd Moscow biennale of Contemporary Art, State Tretyakov

Gallery, Moscow.

2006 Amateurs. Marres Art-Center, Maastricht, Netherlands

Cinemarathon. M&J Guelman Gallery, Moscow

2005 Front: Wechsel. Stift Vorau, Austria

Partners. 1st Moscow Biennale of Contemporary Art, State Tretyakov

Gallery, Moscow

Gender Passions. 1st Moscow Biennale of Contemporary Art, Moscow Museum

of Modern Art, Moscow

2005 Russia-2. Central House of Artist, Moscow.

2004 Moscow-Warsaw. Contemporary Art Center, Ujazd Castle, Warsaw

Controlled Democracy. White Space Gallery, London.

2003 New Countdown: Digital Russia with Sony. Central House of Artist, Moscow

2002 Reconstruction. Biennial of Contemporary Art. Cetinje.

IV International Month of Photography in Moscow “Photobiennale-2002”.

Photo Centre, Moscow

1999 Western Europe After the Berlin Wall. State Russian Museum, Saint-Petersburg

Presentation of the collection of latex costumes and masks in the galleries of

the XIIIth arrondissement (Jenifer Flay Gallery, Emmanuel Perrotin

Gallery, Gallery Praz-Delavallade, etc.) timed to coincide with the unveiling

of the Contemporary Art Centre, Paris

1993 Contemporary Art Biennial. Istanbul, Turkey


Anatoly Shuravlev

Mostre personali:

2008 Unnamed. GMG Gallery, Moscow

Black Holes. Urs Meile Gallery, Luzern-Beijing

2007 China Connection. Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne, Beijing, China

2006 Anatoly Shuravlev. Gallery Charim, Vienna, Austria

2005 Infrathin.1st Moscow Biennale of Contemporary Art, Contemporary City

Foundation, Moscow

Anatoly Shuravlev. Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne, Lucerne, Switzerland

Anatoly Shuravlev. Marina Gizich Gallery, Saint-Petersburg

2004 Retrospective. Museum “Moscow House of Photography”, Moscow

2003 Anatoly Shuravlev. Aidan Gallery, Moscow

2002 Anatoly Shuravlev. Charim Gallery, Vienna, Austria

Anatoly Shuravlev. Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne, Lucerne, Switzerland

Anatoly Shuravlev. Aidan Gallery, Moscow

2001 Templates, Gary Tatinsian Gallery. New York

Anatoly Shuravlev. Otto Schweins Gallery, Cologne, Germany

2000 Anatoly Shuravlev. Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne, Lucerne, Switzerland

1999 Anatoly Shuravlev. Aidan Gallery, Moscow

1998 History. Labor Pixel Grain, Berlin

Hand Made. Otto Schweins Gallery, Cologne, Germany

1997 Templates. Galerie Urs Meile, Lucerne, Switzerland

Flowers of Moscow. Aidan Gallery, Moscow

1995 Anatoly Shuravlev. La Base, Centre d'Art Contemporain, Levallois, Paris

Anatoly Shuravlev. Show Room Specks Hof, Leipzig, Germany

Anatoly Shuravlev. Otto Schweins Gallery, Cologne, Germany

1994 Anatoly Shuravlev. Sammlung Rene Steiner, Erlach, Switzerland

Ab Realibus ad Realiora, Kunstwerke, Berlin, Germany; State Russian Museum,

Saint-Petersburg

1993 Attempt to See, Galerie im Literaturforum Brecht-Ilaus, Berlin, Germany

1992 Anatoly Shuravlev. The Senate of Berlin, Berlin

Anatoly Shuravlev. Kunstlerhaus Bethanien, Berlin

Anatoly Shuravlev. Giorgio Persano Gallery, Turin, Italy

Mostre collettive:

2009 Excuse me, are you famous? WL project, Berlin –Hong Kong

2008 Summer Sale. GMG Gallery, Moscow, Russia

Moscow. Volker Dill Gallery, Berlin, Germany

2007 GMG Space. GMG Gallery, Moscow, Russia

Collection of DZ BANK. Ludwig Museum, Budapest, Hungary

Through the Painting. 2nd Moscow Biennale of Contemporary Art, Moscow

Collection of Pier Broche. Moscow Museum of Modern Art, Moscow

2006 Artist Against the State: Perestroika Revisited. Ronald Feldmann Gallery, New York, USA

2005 1st Moscow Biennale of Contemporary Art, Moscow, Russia

Hier/anderswo. Kunstpanorama, Lucerne, Switzerland

2004 Shizorama. National Center of Contemporary Art, Moscow

Na Kurort!, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, German, Manege Central Exhibition Hall, Moscow

Collection of DZ Bank. Museum “Moscow House of Photography”, Moscow

2003 Landscape. Virginia Miller Gallery, Miami, USA

Group Show. Charim Gallery, Vienna, Austria

2002 Present Tense, Bard College Museum, New York, USA

Trazit. Rene Steiner Gallery, Erlach, Switzerland

New Models. Trafo Center for Contemporary art, Budapest, Hungary

2001 Group Show. Virginia Miller Gallery, Miami, USA

2000Through the Looking Glass. Gallery Fricke, Berlin and Dusseldorf, Germany

BMA. Position New Art from Berlin. Neuer Kunstverein, Aschaffenburg, Germany

Perce? Domus Academy Milan and Magazzino d'Arte Moderna, Rome, Italy

1999-2001

After the Wall, Moderna Museet, Stockholm, Sweden, Museum Ludwig,

Budapest, Hungary, and Hamburger Bahnhof, Berlin, Germany

Can You Hear Me? Ars Baltica Triennial of Photographic Art, State Gallery

in Sophienhof, Kiel, Germany; Center for Contemporary Art, Vilnius,

Lithuania; Kunsthalle Rostock, Rostock, Germany; Bergen’s Kunstforening,

Bergen, Norway; Gallery Otso, Espoo, Finland

1999 Missing Link, Kunstmuseum Bern, Berne, Switzerland and Kunsthaus Dresden,

Dresden, Germany

Zwischenformen aktueller Kunst, Freunde aktueller Kunst e. V., Zwickau, Germany

SPACE PLACE 30049-180799. Kunsthalle Tirol, Hall, Austria

Children of Berlin. P. S. 1 Museum for Contemporary Art, New York

1997 Kabinet. A Contemporary Artists Magazine, Stedlijk Museum, Amsterdam, Netherlands

Mystical Correct. Galerie Hohenthal & Bergen, Berlin

1996 Almost Invisible, Ehemaliges Umspannwerk, Singen, Germany

1995 Landschaft. Mit dem Blick der 90er Jahre, Mittelrhein-Museum, Koblenz;

Museum Schloss Burgk, Saale and Haus am Waldsee, Berlin

Das Medium der Photographie in der zeitgenossischen Kunst, Galerie Dacic,

Tubingen, Germany

Kunst im Verborgenen. Nonkonformisten Russland 1957-1995, Tsaritsino

Museum, Moscow; Wilhelm-Hack Museum, Ludwigshafenam- Rhein;

Kunsthalle Fridericianum, Kassel; Staatliches Museum Lindenau, Altenburg, Germany

Configura 2. Dialog der Kulturen, Erfurt, Germany

Rencontres Internationales de la Photographie, Arles, France

Kraftemessen. Zeichnungen der Moscauer Szene, Galerie Hohenthal & Littler,

Munich, Germany

1994 Kunst: Sprache, Kunstwerke, Berlin

Renaissance and Resistance, Russian Museum, Saint-Petersburg

Cetinjski Bijenale II, Cetine, Montenegro

XXII Biennale di Sao Paolo, Sao Paulo, Brazil

Engel Heute. Galerie Gottfried Hafemann, Wiesbaden, Germany

1993 Philosophy of the Name. National Centre of Contemporary Art, Moscow

Privat. Kunstwerke, Berlin

Without Trace. Altes Rathaus, Potsdam, Germany

1992 Perspectives of Conceptualism. North Carolina Museum of Art, Raleigh, USA

37 Raume. Kunstwerke, Berlin

The Fall. The One and the Other. Immo Art Gallery, Antwerp, Belgium

A Mosca... a Mosca..., Villa Campoleto, Ercolano and Galleria Comunale

d'Arte Moderna, Bologna, Italy

1991 In de USSR en Erbuiten", Stedelijk Museum, Amsterdam, Netherlands

1989-1990 10+10, Museum of Modern Art, San Francisco; Albert Knox Gallery, New York; Milwaukee Art Museum, Fort Worth and Corcoran Gallery, Washington, USA
Sergei Shekhovtsov


Mostre personali:

2009 "Fahrenheit 392" XL Gallery, Moscow

2008 Tron. Xl Gallery ,Moscow

2006 Park. Nina Lumer Gallery, Milan, Italy

Foam-Rubber. Anna Nova Gallery, Saint-Petersburg, Russia

Zoo. Orel Art Gallery, Paris

2004 Ephemeral Art, State Tretyakov Gallery, Moscow

Potpourri. Regina Gallery, Moscow

Golden Cage, Regina Gallery, Moscow

Singer. State Tretyakov Gallery, Moscow

2003 Occupation of Elite (in cooperation with Valery Koshlyakov), Regina Gallery, Moscow

2002 Sponge. Regina Gallery, Moscow

Sponge, France Gallery, Moscow

Mostre collettive:

2009 21Russia. Pinchuk Art Center , Kiev, Ukraine

2008 The Next of Russian Art . Loop Gallery , Seoul, Korea

2007 Capricci. Casino Forum d’Art Contemporain, Luxembourg

Russia-Art-Miami. Miami Beach ,USA

I Believe. 2nd Moscow Biennale of Contemporary Art, Winzavod

Moscow Contemporary Art Center, Moscow

2005 Europalia. Russia Festival. Brussels, Belgium

Russian Pop-Art, State Tretyakov Gallery, Moscow

2004 Warszawa-Moskwa 1990-2000, Warsaw, Moscow

2004 26 Biennal de Sao Paulo, Ciccillio Matarazzo Pavilion, Sao-Paulo, Brasil

2003 Russia, Forward! Regina Gallery, Moscow

2002 Pop/Art, Zverev Center of Contemporary Art, Moscow

Davaj, Russian Art Now, Postfuhrant, Berlin; MAK, Vien

Third Russian Avantgarde, Karenina Gallery, Wien