fino al 7.XI.2010 The Eighth Gwangju Biennale Gwangju, sedi varie

L’ottava biennale di Gwangju, intitolata Diecimila vite, è stata subito percepita come
una biennale un po’ inconsueta. Tutta raccolta in tre sedi istituzionali – il
padiglione della Biennale, il museo della città e il Folk Art Museum, a pochi
passi l’uno dall’altro – la mostra non richiede ai visitatori di girare in
lungo e in largo per scoprire la città alla ricerca di performance o
installazioni site specific, secondo un modello ben noto per le biennali.

Ormai avvezzo al white cube del museo, Massimiliano Gioni
ha invece preferito evitare il confronto con la brutta metropoli di Gwangju
(che definisce “la Kassel dell’Asia“) proponendo un evento che assomiglia
semplicemente a una bella mostra da museo. Il tema preciso e universale della
vita delle immagini è godibile anche dal grande pubblico; il percorso ritmato
da momenti intensi e da altri più distesi, tra capolavori da osservare e opere
più partecipative. Vi sono tante fotografie e dipinti incorniciati e appesi ai
muri, opere che potremmo definire capolavori e installazioni monumentali,
oggetti storici e lavori che occupano solo un posto marginale nella storia
dell’arte ufficiale.

La Biennale, insomma, senza nascondere il presupposto
dell’enorme distanza culturale tra est e ovest, prende come punto di partenza
un tema profondamente radicato nella cultura giudeo-cristiana, quello della
vita delle immagini. Oggi come in passato l’Asia
guarda all’Occidente come modello, e le immagini, vista la difficoltà anche
linguistica di comunicazione, sono il primo mezzo per avvicinare tra mondi così
lontani.

Le immagini hanno rivoluzionato la storia del XX secolo,
sono state prodotte, utilizzate, scambiate, modificate in grande quantità,
prima attraverso la diffusione della fotografia e poi, naturalmente, con i mass
media. Lo sapeva già Aby Warburg, lo storico dell’arte che associava le
immagini senza gerarchie di genere, di soggetto o di autore, ma dal punto di
vista della sopravvivenza delle figure e dei miti che raccontano la storia
dell’uomo. Le immagini creano ciò che chiamava Mnemosyne, la memoria del mondo.

Che l’immagine, all’esame della storia, vinca sui
contenuti linguistici e testuali è del resto la tesi sposata dai teorici
dell’epoca post-moderna, come W.J.T. Mitchell e coloro che condividono
l’approccio della Visual Culture. Si pensi all’enorme peso delle immagini dal
punto di vista politico e religioso, a come sono usate dai totalitarismi a
scopo propagandistico e di come sono percepite come offensive in certi contesti
religiosi estremisti. Si pensi al ruolo politico dell’arte realista nella Cina
comunista, di cui è un esempio l’impressionante gruppo monumentale della Rent
Collection Courtyard,
costituito da decine e decine di figure in bronzo a grandezza naturale che
rappresentano le sofferenze della classe contadina, realizzato nel 1965 per
volontà di Mao Tse Tung ed esposto ora in una delle prime grandi sale della
Biennale.

Che ruolo hanno invece le immagini nel mondo contemporaneo
della globalizzazione e che significato hanno nei paesi non-occidentali? Chi ne
sono i principali artefici? Gli artisti? Di Hans
Peter Feldman è
esposto ad esempio un archivio di prime pagine di giornali con le foto dell’11
settembre. Chi è veramente l’autore di queste immagini? – ci siamo chiesti
tante volte osservadole – il giornalista, il passante che ha fotografato con il
suo telefonino, o il terrorista?

Troviamo nella mostra tante opere anonime, lavori di art
brut, fotografie pubblicitarie, opere d’arte che copiano altre opere d’arte (Sturtevant e Sherrie Levine), e oggetti che sarebbero forse
più appropriati in un museo etnografico che in una mostra d’arte contemporanea,
come un bellissimo carro funebre ricolmo di sculture in legno policromo
(bambole Kokdu) rappresentanti varie divinità del pantheon coreano,
dalla collezione di Ock Rang Kim. Al di là del nostro sforzo nel collezionarle
e salvarle dall’oblio (si pensi alle impressionanti sale ricolme di migliaia di
fotografie di orsacchiotti di peluche collezionati da Ydessa Hendeles), le immagini sopravvivono in
virtù di una loro forza e vitalità intrinseca, indipendentemente dal loro
autore.

Se la nozione di autorialità è invalidata per gli artisti,
questo ridimensiona naturalmente anche quella di autorialità curatoriale: Gioni
preferisce dichiararsi semplicemente l’organizzatore della biennale, e fa una
mostra al cui centro si trovano le immagini prodotte e consumate dalla gente in
contesti spesso diversi da quello artistico. Del resto Gwangju è la città della
democrazia, almeno nei sogni e nell’immaginario del popolo coreano. Che senso
ha in questo contesto distinguere la cultura alta dalla cultura popolare?

Dice Gioni che “le immagini sono figlie della
nostalgia“:
la mostra s’ispira dichiaratamente a un poema del poeta coreano Ko Hun, Maninbo (Diecimila vite) scritto durante la sua prigionia
in isolamento. Il poeta, che era un dissidente rivoluzionario, ha voluto
ricordarsi di ogni persona incontrata in vita sua, reale, storica o letteraria,
dedicandole dei versi e impegnandosi così in un colossale esercizio di memoria
che lo avrebbe aiutato a sopravvivere. C’è in questo disperato ma volenteroso
atto di celebrare la vita attraverso le immagini e le parole una grande
dignità. Le immagini aiutano a esorcizzare il dolore.

Questo viene da pensare quando incontriamo l’opera di Sanja
Ivekovic, un
gruppo di donne coreane che cantano a bocca
chiusa una canzone rivoluzionaria, sorta di memoriale vivente in onore degli
uomini morti durante la rivoluzione del maggio 1980 (di cui ricorre il
trentennale), le cui foto sono visibili sul muro di fronte. O, ancora, di
fronte al lavoro di Gustav Metzger, che nasconde alcune fotografie di ebrei vittime
dell’Olocausto dietro pesanti panni che obbligano lo spettatore a cercare
un’intimità fisica con quelle testimonianze “oscene” della storia del XX
secolo. Molto interessante, a questo proposito, anche il
progetto the Uncanny di Mike Kelley, una serie di sale inserite all’interno del percorso della Biennale
che ricostruiscono la mostra della Tate del 2004, ispirata al concetto
freudiano di inquietante fascino esercitato da oggetti inanimati, come le
bambole o le maschere, che sembrano hanno un aspetto umano e macabro.

Insomma, le immagini possono evocare la sofferenza ma
funzionare anche in modo terapeutico: l’installazione Immersion di Haroun Farocki è dedicata ad esempio alla realtà
virtuale e alle simulazioni del computer utilizzate per i soldati americani sia
nell’allenamento alla guerra che nella terapia psicologica dei traumi
post-bellici. I disegni di Emma Kunz o dell’artista cinese Guo Fengyi sono invece opere che racchiudono
il sapere medico e divinatorio delle due guaritrici.

Pare sia un luogo comune che al pubblico coreano piacciano
i progetti partecipativi e collettivi, le nuove tecnologie, le performance di
piazza e l’estetica un po’ kitsch; difficile trovare tutto ciò in questa
mostra, che è invece elegantemente installata in grandi sale bianche, che
invitano ad avvicinarsi alle opere e lasciano spazio alla riflessione,
all’emozione e alla poesia. Una delle poche concessioni alla partecipazione
popolare è l’installazione che Franco Vaccari presentò alla Biennale di Venezia
del 1972, in cui ognuno può, stampando una fototessera, lasciare una traccia
del suo passaggio.