AAIE è pronta a presentare "A Priori e Stelle" dal 28 settembre al 30 ottobre nello Spazio Roma, esponendo le opere di Gao Xintong, Burkhard von Harder, Lv Mei, Fan Zhen, Huang Zhe, Wang Chengdong, Laura Fortin, Zhang Haoye ed Emanuela Lena. Questa mostra, curata da Yaning Zhu, include alcune opere che verranno mostrate pubblicamente per la prima volta.

La mostra "A Priori e Stelle" evidenzia le riflessioni degli artisti sulla cognizione innata e sulla natura poliedrica dell'esistenza umana. Nella sua "Critica della ragion pura", Immanuel Kant ha proposto che la conoscenza a priori costituisce la base della nostra comprensione del mondo. Nonostante la ricchezza di informazioni ottenute attraverso i sensi, Kant credeva che la vera conoscenza e saggezza si basino su specifici quadri cognitivi preesistenti. Questi quadri, non acquisiti attraverso l'esperienza, sono il "hardware" che usiamo per organizzare e comprendere l'esperienza. Non possiamo percepire direttamente il tempo e lo spazio attraverso l'esperienza, ma attraverso queste forme percepiamo e comprendiamo gli eventi che viviamo, esplorando come l'intuizione a priori (conoscenza che precede l'esperienza) si manifesti nella percezione e interazione umana. Di conseguenza, questa mostra presenta ulteriormente come gli artisti rivelino verità nascoste nel loro lavoro creativo.

Burkhard offre una serie di opere fotografiche che esplorano momenti di solitudine e riflessione, evocando una profonda comprensione della condizione umana attraverso il silenzio visivo e l'isolamento. Il suo lavoro spesso ingrandisce o modifica i colori naturali dei soggetti per produrre immagini vibranti e accattivanti. Questo trattamento del colore aiuta a creare un senso di dramma e intensità nelle sue fotografie. Egli si avvicina spesso ai suoi soggetti, catturando dettagli fini e texture che potrebbero essere trascurati. Questo approccio ravvicinato, combinato con il suo uso di distorsione e astrazione, conferisce profondità e complessità alle sue immagini, catturando anche il vuoto che nasce da una riflessione sincera e irremovibile sul "peccato originale" insuperabile dell'umanità, resistendo a tutte le profondità oscure e insondabili attraverso l'arte.

Le opere fotografiche di Zhang Haoye sono scattate su pellicola scaduta, rinunciando alla necessità di una registrazione accurata delle informazioni dell'immagine. La fotografia tradizionale, che richiede una messa a fuoco e un'esposizione precise, è trasformata in uno scatto cieco e accidentale con risultati imprevedibili. I colori della pellicola, la reazione di ogni rullo ai colori, o piuttosto, la sua sensibilità, presentano una varietà di espressioni distinte. La sua serie "Sogno", creata nel 2013, trasmette contemplazione e tranquillità attraverso un'espressione artistica minimalista e meditativa, riflettendo le sue esperienze e le interazioni silenziose con l'ambiente circostante.

L'arte di Lv Mei è influenzata dalla filosofia taoista. Lei insegue l'essenza del "Tao", considerandola la forma più pura di astrazione. Nel suo lavoro, le forme ritornano all'essenza della materia, forme geometriche basilari come cerchi e triangoli, trasportando immaginario infinito e significato profondo con forza minimalista. Lei crede che la semplicità possa contenere immensa energia, e le sue opere sono mappature visive dirette del suo mondo interiore, rappresentazioni pittoriche dell'anima.

Come giovane artista emergente, Fan Zhen stupisce il pubblico con le sue abilità pittoriche uniche e una potente forza di guarigione e vitalità. I colori che usa sono i colori naturali dei pigmenti, miscelati direttamente sulla tela e poi lasciati asciugare al sole, permettendo al tempo e alla natura di partecipare al suo processo creativo. L'arte di Fan Zhen rappresenta la sua svolta nei predicamenti mentali, una competizione interna tra attività cognitiva e funzionamento cerebrale, e un gioco interno tra consapevolezza e conoscenza. "Leggere il cuore attraverso la pittura" è l'implicazione più intrinseca nell'arte di Fan Zhen.

Gao Xintong ricostruisce e destruttura gli elementi visivi attraverso combinazioni di colori vibranti e trasparenze sottili, presentando la sua visione del mondo. Le sue opere spesso tentano di creare illusioni manipolando la percezione delle persone dei ritratti. Questi visivi astratti, che tuttavia assomigliano a volti quando osservati, attirano eterogeneità da varie forme possibili, estraendo un'immagine incredibile che trascende i limiti fisici e si fonde con la luce e la dinamica.

"Slices" è un termine professionale in medicina, che si riferisce al prelievo di un tessuto malato di dimensioni specifiche e alla realizzazione di una fetta patologica per ulteriori esami al microscopio. Il processo di sviluppo della malattia è diagnosticato patologicamente, e i campioni patologici sono prodotti per la diagnosi clinica. In questo dipinto, l'artista Wang Chengdong tratta il concetto di Jiangnan come un'organizzazione complessiva, con ogni opera d'arte che è un campione affettato. È un esame del presente con la prospettiva odierna, così come della storia, e un esame del presente dalla prospettiva futura. L'attenzione alla creazione è il risultato del pensiero a lungo termine dell'artista. Non è casuale; è deliberato e ben considerato. Vuole esprimere la sua comprensione della religione, della filosofia, della storia e dei sentimenti umanistici. La pittura e la letteratura non sono la stessa cosa; la pittura ha la sua indescrivibilità, quindi ha anche possibilità infinite di descrizione e interpretazione.

I dipinti di Laura Fortin presentano donne come soggetti, studiando concetti ed estetica legati alle donne e alla loro relazione con il corpo e la mente. Le donne che ritrae sono interpreti di emozioni tese, appaiono in spazi stretti e solitari, accompagnati da un senso controllato di alienazione. Sono rappresentate da oggetti e temi estratti dalla vita quotidiana, riaffermando la loro esistenza. I suoi dipinti riparano ferite e fallimenti, servendo come organismi significativi capaci di influenzare trasformazioni interne, che interrompono e attaccano per cambiare il corpo femminile originale, trasformandoli in interi primordiali, come sudari che accolgono il dolore mentre conservano l'impronta della vita, che sia rossa arrabbiata o bruciante gettata sulla tela come una maledizione del muto, con verde pallido e blu che strappano e esauriscono, rivelando assenza e confusione.

Emanuela ritrae ferite; lei dice, "La radice della mia esperienza è una ferita. La ferita è tutto. È la cenere del mondo, una zona residua di detriti. La pittura, per me, è un atto riparatore. Sta continuamente rattoppando la ferita. È un dialogo con il disastro in un'azione organizzativa continua, segreta e futile. Quest'urgenza dà origine a tensioni."

Huang Zhe è un osservatore meticoloso, ma con un senso di distanza. Le sue immagini sono piene di potere di rompere le convenzioni. Contemplazione, specchi, schizzi... In queste opere, varie linee che fluiscono liberamente, di forme diverse, sono ovunque, delineando i contorni liberamente e senza restrizioni. Colori intensi e strati sottili a toni fre

ddi diventano vivaci e prominenti grazie all'intervento degli elementi lineari, nascondendo un'enorme potenza. Un tocco di arancione pallido evoca una lontana luce stellare nella fresca pittura verde.

Questa mostra è anche parte della Settimana dell'Arte di Roma, e ringraziamo di cuore Project UCA (Venezia, Roma) e Being 3 Gallery (Pechino) per il loro generoso supporto.