ANALOGIE ANALOGICHE

La fotografia, il pensiero, la luce

Villa Pomini – 1/22 maggio 2016



L’Archivio Fotografico Italiano, con il patrocinio dell’Assessorato alla Cultura del

Comune di Castellanza (VA), nelle sale della storica villa Pomini, sede del FIF -Fondo

Italiano Fotografia, in collaborazione con EPSON, presenta una serie di mostre provenienti

da archivi personali, proponendo un percorso articolato che va dal reportage di viaggio

alla sperimentazione, con la finalità di riscoprire un modus operandi certamente più lento

e meditato, che nel metodo analogico rivela l’essenza espressiva.

Ma la rassegna vuole essere anche occasione di raffronto tra i differenti linguaggi

espressivi, e una comparazione tra le immagini stampate in camera oscura, come quelle di

Carnisio e Toja, e in modern print - fine art Digigraphie, presentate da Radino e alcune di

Amaduzzi, prodotte partendo da scansioni da pellicola, con l’intento di porre a confronto

la possibilità offerta dalle nuove tecnologie, che non mortificano o suppliscono i metodi

originari, ma si integrano, offrendo nuove opportunità di stampa certificata, per il

collezionismo.

AURE D’ORIENTE

Diario di un viaggio di un occidentale nello Shimane di fine millennio

Fotografie di Francesco Radino

Courtesy by EPSON Italia

Aure d’Oriente – Diario di viaggio di un occidentale nello Shimane di fine millennio,

rappresenta la sintesi del viaggio/ricerca che il fotografo ha condotto in Giappone

nell’antica Provincia di Shimane, seguendo le tracce di Lafcadio Hearn, scrittore e

giornalista statunitense vissuto nel Paese del Sol Levante alla fine dell’Ottocento e celebre

per le sue raccolte di leggende giapponesi e storie di fantasmi.

L’atmosfera evanescente di questo mondo, ricco di aure e di mistero, dove al reale si

sovrappone un mondo antico sempre presente, è raccontato in maniera evocativa dalla

maestria e sensibilità di Francesco Radino che ha trovato nella stampa in bianco e nero di

Epson, già conosciuta e utilizzata nel suo lavoro quotidiano di fotografo, il perfetto

equilibrio fra i neri più pieni, le trame sottili dei grigi e i toni delicati ed evanescenti dei

mezzi toni: un equilibrio leggero che dà corpo alle immagini rarefatte del diario di viaggio

del fotografo.

Ciascuna fotografia è una visione che racchiude l’essenza di un mondo che appartiene al

passato ma lascia tracce (im)percettibili nel presente, come Radino stesso annota nel suo

diario: “Ho intrapreso il mio cammino, senz’altro scopo che annotare, osservando. Storie

d’un mondo antico, che riaffiora qua e là, sotto la scorza ruvida degli affanni, nell’intimo

dei cuori, nei recessi ombrosi dei boschi o sulle soglie oranti dei templi... Posso intuire

allora che cosa avesse stregato l’animo inquieto di Lafcadio Hearn, in quel finir di secolo,

cent’anni fa, e attraverso lui intravedere soltanto, fra le pieghe di questo breve,

intensissimo viaggio, l’atmosfera della sua mitica Horai.”

Horai, l’antica terra mistica di cui si narra nella mitologia cinese e giapponese, si chiama

anche Shinkiro, che significa “Miraggio-la visione dell’intangibile”.

Francesco Radino nasce a Bagno a Ripoli (Firenze) nel 1947 da genitori entrambi pittori.

Dopo studi di Sociologia, nel 1970 diventa fotografo professionista e sceglie di operare in

vari ambiti, dalla fotografia industriale al design, dall’architettura al paesaggio.

A partire dagli anni Ottanta partecipa a numerosi progetti di carattere pubblico di ricerca

sul territorio, fra i quali le campagne fotografiche Archivio dello Spazio all’interno del

Progetto Beni Architettonici e Ambientali della Provincia di Milano, il

progetto Osserva.Te.R promosso dalla Regione Lombardia, il progetto European Eyes on

Japan organizzato da Eu Jap Fest, Atlante italiano 2003 per il Ministero per i Beni e le

Attività Culturali e Tramsformazione per il Museo di Fotografia Contemporanea di Villa

Ghirlanda.

Da sempre intreccia lavoro professionale e ricerca artistica ed è oggi considerato uno degli

autori più influenti nel panorama della fotografia contemporanea in Italia.

Partecipe degli sviluppi della fotografia di ricerca sul paesaggio contemporaneo, ha negli

anni elaborato un modo libero di esplorare la realtà che oggi va oltre il genere del

paesaggio, aprendosi a ogni aspetto del mondo, dalla natura ai territori urbanizzati, dalla

figura umana agli oggetti, dagli animali ai manufatti della storia dell’uomo.

Ha esposto il suo lavoro in gallerie e musei italiani, europei, giapponesi e statunitensi, e le

sue opere fanno parte di collezioni pubbliche e private internazionali. Come autore ha

pubblicato numerosi libri e ha realizzato i video After September Eleven, Storie di terra e di

mare, Diario di un viaggiatore occidentale.

ISTANTANEE

L’ITALIA NELLE IMMAGINI DI VIRGILIO CARNISIO

Le immagini in mostra, realizzate sapientemente da Virgilio Carnisio, non racchiudono

solamente l’idea del viaggio, ma invece ci mostrano percorsi di vita quotidiana e stili di

vita, in un divenire di incroci visivi che si intrecciano con l’ambiente, la storia, il lavoro.

Virgilio Carnisio predilige la luce, quella che emanano gli scorci, le strade, le architetture,

ma anche i volti degli abitanti di questo Paese, incontrati nel suo instancabile cammino

lungo la penisola.

Scatti in bianco e nero, in pellicola, contando i fotogrammi, senza smodatezze e

mantenendo una discrezione che si evince nelle immagini in mostra, che sussurrano

atmosfere e di legami

Il bianco e nero, dai toni contrastati, pare scostarsi dalla realtà, permettendo di cogliere

l’essenza dei luoghi, in continuità con i progetti che identificano l’opera di Carnisio

sviluppatasi negli anni in diversi territori.

In definitiva una ri-scoperta, alimentata da narrazioni che dai cassetti di un archivio

emergono dopo oltre vent’anni, contribuendo a nutrire la nostra immaginazione e il

desiderio di conoscere e condividere, quando lo si fa con la giusta dose di interesse e

passione.

Virgilio Carnisio (Milano 1938)

si avvicina al mondo fotografico nel 1961-62 frequentando l’Enalc (Ente nazionale

addestramento lavoratori commercio), partecipando a un corso di fotografia pubblicitaria.

Dal 1968 inizia un lavoro di documentazione sulla vecchia Milano che scompare.

Da allora affina sempre più la sua ricerca, finalizzando il proprio linguaggio espressivo e

rivolgendo il suo interesse al classico reportage in bianconero, anche se non

esclusivamente, con una marcata impostazione di tipo sociale che, anche quando si rivolge

al passato, lo fa senza rimpianti né retorica.

Autore capace di porre sullo stesso piano l’impegno professionale e la passione pura,

collabora attivamente con giornali e riviste, a cui ha fornito importanti spunti iconografici.

In Europa, in Asia e America il suo obiettivo coglie il reale e ce lo trasmette con rigore e

semplicità. Le sue immagini sono una testimonianza antropologica che evita l’eccezionale

e l’esotico, per addentrarsi in una più consapevole lettura del paesaggio e delle storie,

anche umane, che vi sono dentro il mondo.

Sue fotografie fanno parte di collezioni pubbliche e private, e di lui hanno scritto alcuni tra

i più importanti giornalisti, critici ed esperti del settore, pubblicando redazionali su

prestigiose testate.

Ha partecipato a più di cento mostre collettive e realizzato centocinquanta mostre

personali, in ogni parte del mondo.

Ha pubblicato circa trenta libri di successo, una nutrita serie di calendari e cartelle

d’autore. Sue immagini fanno parte di collezioni pubbliche private.

PARIS

Fotografie di Antonio Amaduzzi

Uomo colto e raffinato, Antonio Amaduzzi ha portato queste sue doti anche nel campo

della fotografia scegliendo fin da subito quali erano i punti di riferimento che gli erano più

cari anche se sfuggivano – e continuano a sfuggire – a una precisa definizione. Più ancora

che al reportage classico, il fotografo, ha guardato alle grandi esperienze americane della

straight photography e della Photo League oltre a quelle francesi della cosiddetta

photographie humaniste. Se una grande passione è all’origine delle sue peregrinazioni nel

mondo sempre accompagnato da una fotocamera (meglio se Leica), ciò che ha lasciato in

lui un fondamento così importante da dare vita a un vero e proprio stile è stato lo studio e

la conoscenza del lavoro dei grandi autori: la grande forza espressiva di Henri Cartier-
Bresson, l’eleganza raffinata di Willy Ronis, l’ironia sottile di Edouard Boubat e Izis come

anche le rigorose ricerche di Ugo Mulas e Mario Giacomelli. Un discorso a parte merita

Gianni Berengo Gadin – di tutti quello più vicino alla poetica francese – non solo amico ma

anche compagno di indimenticabili spedizioni fotografiche nate da una precisa sintonia di

vedute. Ben presto, dunque, la quotidianità diviene la dimensione privilegiata in cui

Amaduzzi si muove con l’occhio attento di chi sa che qualcosa di significativo sicuramente

accadrà e finirà nelle sue immagini. Ciò che maggiormente colpisce nelle moltissime opere

da lui realizzate sempre e solo in un classico bianconero ricco di toni attentamente

riprodotti in stampa, è l’apparente semplicità che le caratterizza. Apparente perché la

linearità e la pulizia formale si ottengono con un lungo esercizio interiore poi tradotto in

quell’immediatezza che non sembra ma è invece frutto della complessità. La grande

passione per la Francia e per la sua storia vissuta come universale la si trova in questa

mostra tutta dedicata a Parigi, la città più amata dove, dice, avrebbe voluto nascere e che

ha ripreso ininterrottamente dal 1962. Antonio Amaduzzi le ha dedicato riprese non

convenzionali andando alla ricerca di suggestive atmosfere, sottolineando particolari che

sanno essere unici, soffermandosi su visioni d’assieme di stupefacente bellezza. Dal suo

archivio conservato con la cura che merita (e qui si potrebbe aprire un lungo discorso sulla

superiorità di quello analogico rispetto al digitale, più labile e fragile) emergono immagini

capaci di cogliere quel fascino che Parigi sa sempre misteriosamente trasmettere. I

soggetti raramente occupano la parte centrale dell’immagine e la loro posizione defilata

evidenzia il senso di profondità e quella teatralità del quotidiano che rimane una delle

caratteristiche centrali della sua poetica. Così è, per fare un esempio, nell’immagine della

coppia di innamorati colti mentre si abbracciano sul Pont Neuf: un cielo attraversato da

nuvole scure si contrappone al chiarore della strada sottolineando l’orizzontalità di una

visione interrotta dallo svettare di un lampione. Indifferenti a tutto ciò i due, che pure

occupano solo una piccola porzione dello spazio, sono i veri protagonisti della scena e

attirano i nostri sguardi in un evidente richiamo identificativo. Roberto Mutti

DE CUBICULI FRAGMENTIS

Fotografie di Roberto Toja

Lo Sguardo: Esiste una forma di apparenza che si sfalda nel tragitto che va dall’oggetto

osservato alla sua reale apparizione nella nostra esperienza psichica. Nulla può dirsi

realmente compiuto, ogni cosa si mostra e si rappresenta per un unico spettatore e per lui

recita una variante del copione. Che cosa, dunque, vediamo realmente? Quale parte del

nostro consapevole inganno? Il tutto, credo, nella stratificazione di significati. A noi il

compito di scavare, di sfogliare. A noi il dolore di farlo.

La Presenza: L’ombra che ci segue o ci precede ha dimora nel nostro celare, nel nostro

soffocare il tempo. L’essere dalla forma simile alla nostra, ma altro di noi, conosce ogni

nostra debolezza, ogni nostra meschinità, ma anche la nostra misconosciuta grandezza.

Così si fa evanescente, si vergogna del proprio corpo, lo sfarina nell’unico movimento

prima della fissità. E’ la presenza che ci conosce e ci inquieta.

Lo spazio: Racchiudere è attendere la rinascita. Racchiudere è nutrire prima

dell’abbandono; è prestare attenzione al silenzio della luce riflessa. Le pareti sono

membrane imbevute di pure esistenze senza narratori. Le pareti sanno, ma tacciono per la

modestia che precede la storia. Lo spazio ci costringe alla misura, al percorso, al confronto.

Lo spazio ci dona gli orizzonti posati come linea di divinazione sul palmo delle nostre

mani.

Le scorie: Ogni cosa ha un guscio, una protettiva superficialità. Ognio cosa stratifica il

proprio apparire in forme e colori, nell’illusione di avvolgersi in una corazza d’immortalità.

Poi il guscio fragile si sfalda, abbandona la propria forma, tradisce e muore. Abbandona

l’apparenza più solida e diventa concetto, narrazione, storia. Rimane l’inutile robustezza, la

scoria senza vita della rappresentazione. L’attonito museo. Allora, solo allora, torna a

vivere.

La parola: Schiavi del suono e del segno che precede ogni nostro sforzo di rappresentare

la realtà, ci abbandoniamo alla certezza del codificato. Scivoliamo sul terreno ghiacciato

dell’ovvio, del consolatorio e del riconoscibile. Ma non la poesia. La poesia si svincola

dall’abbraccio evidente, del rappresentabile. Si inventa, si scopre scavando nell’abisso

scuro e ricchissimo dell’evocazione. La parola si denuda e apre il petto al nucleo luminoso

da cui è stata generata. La parola si dona ad occhi chiusi, si lascia possedere, e la poesia

che viene generata da questo abbandono non può che essere che frutto di una

antichissima genesi. La stessa che guida il dispiegarsi della conoscenza, il rivelarsi

quotidiano del nostro misterioso trascorrere. La parola che si fa poesia non è che lo

stupore di riconoscersi ad occhi chiusi dopo aver vissuto ossessivamente di fronte ad uno

specchio. (Aldo Ferraris)

Incontri - Conferenze - Editoria

SABATO 7 MAGGIO 2016 ore 18

Incontro con l’Autore - in dialogo con Claudio Argentiero

PIERGIORGIO BRANZI

Presentazione del libro IL GIRO DELL’OCCHIO – Ediz. Contrasto

La monografia più completa mai pubblicata dedicata a uno dei più importanti autori

della fotografia italiana.

Contrasto pubblica Il giro dell’occhio, libro che raccoglie le fotografie di Piergiorgio Branzi

realizzate in più di cinquanta anni di sguardi sul mondo, anni di “osservazioni attive” di un

grande interprete del nostro tempo.

Le sue immagini, suddivise e raccolte nel volume per serie spaziali e temporali, si

intrecciano con le riflessioni, i ragionamenti e i ricordi di una stagione importante della

fotografia e della cultura italiana. Un insieme di temi che accompagna il racconto di una

vita piena di meraviglie e di scoperte.

Il volume, introdotto da un contributo di Alessandra Mauro e da un saggio di Branzi stesso

in cui l’autore descrive il proprio rapporto con i “linguaggi dell’immagine”, è diviso in sei

sezioni, che corrispondono ai diversi luoghi che l’autore ha fotografato nel corso degli

anni. Ogni sezione è introdotta da un suo breve testo. Ed ecco che, pagina dopo pagina, il

libro ci guida in un percorso che va dalle foto in bianco e nero degli anni Cinquanta

realizzate nella sua Toscana (Chiaroscuro toscano) alle immagini che danno conto di uno

sguardo complessivo sulla Penisola (Scoperta dell’Italia), fino ad arrivare alle fotografie che

riguardano il Mediterraneo, per passare poi a Mosca dove Branzi ha vissuto cinque anni in

quanto inviato per la Rai, e Parigi. Il libro si chiude con la sezione Le forme, che contiene

l’ultima produzione del fotografo, quella più sperimentale, e una breve nota

autobiografica.

Piergiorgio Branzi nasce a Signa, Firenze, nel 1928. La sua attività di fotografo comincia

nei primi anni ’50, periodo in cui conosce Vincenzo Balocchi, uno dei membri del gruppo

La Bussola, un’associazione di fotografi creata nel 1947 con l’obiettivo di promuovere la

fotografia come arte dal punto di vista professionale e non solo documentario. Nel

maggio del 1953, Branzi espone per la prima volta nell’ambito della “Mostra della

Fotografia Italiana”, presso la Galleria della Vigna Nuova a Firenze, e a partire dall’autunno

di quello stesso anno si dedica sempre di più alla fotografia, partecipando alle principali

esposizioni italiane e vincendo numerosi concorsi tra il 1955 e il 1957. Intraprende lunghi

viaggi in motocicletta e in auto attraverso l’Italia e la Spagna, raccontando in immagini la

vita quotidiana dei paesi che attraversa, rielaborando in modo originale la lezione di Henri

Cartier-Bresson. Dopo una collaborazione con Il Mondo di Mario Pannunzio, nel 1960 viene

assunto alla Rai e intraprende la carriera di giornalista che, di fatto, rallenterà la sua

produzione fotografica. Come inviato della Rai, e su incarico di Enzo Biagi, si trasferisce a

Mosca per circa cinque anni e diventa il primo corrispondente occidentale nella Russia di

oltrecortina; dal 1966 al 1969 sarà, invece, corrispondente da Parigi. Nel 1969 torna in

Italia, a Roma, per assumere l'incarico di commentatore del telegiornale. Le sue fotografie

sono state esposte in numerose mostre dedicate alla fotografia italiana del Novecento (tra

queste anche l’importante “ItalianMetamorphosis” al Guggenheim Museum di New York),

di cui è considerato uno degli indiscussi maestri.

A seguire book signing e aperitivo con l’artista

MARTEDI 10 MAGGIO 2016 ore 21,15

Incontro con l’Autore - in dialogo con Claudio Argentiero

FRANCESCO RADINO

Prospettive, poetica, contaminazioni

Una visione del mondo ove l'uomo, la natura, il paesaggio e la città si trasformano in un

corpo unico su cui poter indifferentemente posare lo sguardo.

Francesco Radino (Bagno a Ripoli 1947), è attivo nella fotografia fin dagli anni Settanta.

Nel corso del tempo ha elaborato una propria poetica, ricca di suggestioni immaginifiche

ed emozionali. I suoi lavori appaiono come un fluire di molteplici narrazioni dove si

accumulano figure umane, elementi naturali, territori urbanizzati, animali e oggetti, che

perdono l’originaria consistenza fisica per assumere la dimensione atemporale della

memoria. A partire dagli anni Ottanta partecipa a numerosi progetti di carattere pubblico

di ricerca sul territorio, fra i quali le campagne fotografiche di Archivio dello Spazio per la

Provincia di Milano, il progetto Osserva.Te.R della Regione Lombardia, il progetto

European Eyes on Japan, Atlante italiano 2003 per il Ministero per i Beni e le Attività

Culturali e Tramsformazione per il Museo di Fotografia Contemporanea di Villa Ghirlanda.

Come autore ha pubblicato numerosi libri e video sul tema della fotografia.

MARTEDI 17 MAGGIO 2016 ore 21,15

Parlando di Grandi Fotografi

SEBASTIAO SALGADO

L’opera, l’uomo, i progetti – a cura di Claudio Argentiero

Da decenni Sesbastiao Salgado percorre i continenti per documentare popoli in costante

cammino. Osservatore attento e sensibile, realizza progetti che ci mostrano una umanità

ferita, attraverso una fotografia di grande spessore che lo ha reso celebre in tutto il

mondo, di cui si parlerà nel corso dell’incontro.

A seguire: Visita guidata alle mostre esposte nelle sale di villa Pomini

Informazioni sulla Rassegna:

Luogo: Villa Pomini – Via Don L. Testori, 14 – Castellanza (Va)

Periodo espositivo: 1 – 22 maggio 2016

Orari di visita: venerdi e sabato 15/19 – domenica 10/12,30 – 15/19 – Ingresso libero

Segreteria organizzativa: afi.fotoarchivio@gmail.com / t. 347 5902640

Sito web: www.archiviofotografico.org

Curatore: Claudio Argentiero