La Galleria Nazionale dell’Umbria sceglie di essere museo dell’oggi, partecipe di un

divenire che si radica nel passato.

Offrendo i suoi spazi ad un contenitore concettuale, uno spazio di ricerca, di riflessione

e di sperimentazione, un osservatorio aperto alle diverse declinazioni e linguaggi, con

il quale si propone di offrire un punto di vista nuovo e inedito sul panorama dell’arte

contemporanea italiana.

L’artista lavora con una visione della storia inequivocabilmente volta al futuro, perché la

creazione si fonda sulla visione del tempo e sulla proiezione dell’essere, sulla fiducia nella

continuità e sulla negazione della provvisorietà che il presente ci impone.

Tutta, o quasi, l’arte contemporanea vive nel confronto incessante con la caducità

(potrebbe essere altrimenti in un tempo come il nostro in cui tutto è ‘liquido’ e veloce?)

eppure ne è al tempo stesso la sua costante negazione.

D’altro canto, se si dovessero individuare le peculiarità della produzione visiva

contemporanea, caratterizzata dall’assenza di paradigmi certi e di correnti o gruppi

codificati, come avvenuto per i fenomeni artistici fino all’avvento del postmoderno, credo

che essi vadano ricercati nella assenza totale degli stessi, e dunque nella disseminazione

e nell’erranza verso la ricerca di spazi ‘altri’. Non è un caso che un numero sempre

maggiore di artisti cerchi lo spazio museale come luogo di elezione, quasi come fosse un

porto rassicurante in cui far consistere il senso di sé e del proprio lavoro.

Fabio De Chirico

Stimoli, suggestioni, analisi che poi, si spera, confluiranno in una serie di mostre

allestite con cadenza annuale nelle sale del museo perugino. Un progetto ampio,

che si strutturerà con mostre personali, progetti curatoriali specifici e collettive coordinate

attorno a un principio ordinatore unificante. Senza opzioni vincolanti in termini di tecniche,

o di linguaggi: ma con la ferma convinzione che la parte attiva, nelle dinamiche del

contemporaneo, debba tornare saldamente a essere l’artista.

Un “museo” popolato da artisti disparati, pittori, fotografi, videoartisti, scultori, autori di

installazioni o di opere di sound art. Ma dotati di uno spiccato kunstwollen, prendendo a

prestito la felice e insostituibile, storica definizione di Alois Riegl. Quella “volontà d’arte”

che prescinde dalle proiezioni esterne della stessa, concentrandosi prepotentemente

– se non esclusivamente – sulla qualità intrinseca dell’opera, sulla sua capacità di

esprimere l’istanza creativa più profonda. Artisti che per questa intensità riescono a

toccare le corde percettive dell’osservatore, a regalare sensazioni forti, ormai rare da

provare davanti all’arte contemporanea. Pittori che legano l’angoscia al turbamento

sensuale, videoartisti che diventano colonna sonora emotiva di momenti speciali, opere

che denunciano la sofferenza connaturata all’atto creativo, altre che sublimano l’emozione

fino a razionalizzare le forme nell’atarassia.

Massimo Mattioli

I trentotto “artsiders” presenti in mostra sono: Agostino Arrivabene, Andrea Barzaghi,

Bianco Valente, Giuseppe Biguzzi, Elio Castellana, Aldo Del Bono, Francesco De

Grandi, Davide D’Elia, Fulvio Di Piazza, Carlo D’Oria, Marino Ficola, Gianfranco

Grosso, Vittorio Gui, Piotr Hanzelewicz, Rachele Maistrello, Movimento Milc, Riccardo

Murelli, Angelo Musco, Gonzalo Orquìn, Alessandro Passaro, Angela Pellicanò/ Ninni

Donato, Piergiuseppe Pesce, Francesco Petrone, Luca Pozzi, Roberto Pugliese, Nicola

Rotiroti, Mustafa Sabbagh, Marco Scifo, Jolanda Spagno, Michele Spanghero, Daniele

Spanò, Matteo Tenardi, Cosimo Terlizzi, Nicola Toffolini, Delphine Valli, Fabio Viale,

Nicola Vinci, Claudia Zicari, chiamati a presentare le proprie istanze creative in un

contesto “neutro” ma spiritualmente ed emozionalmente intenso come quello offerto da un

importante museo di arte antica.