La BAM ha una precisa finalità, in decisa controtendenza rispetto alla “biennalite”

caratterizzante la scena artistica contemporanea nell’era della globalizzazione, che è

quello di valorizzare l’arte e la creatività piemontese dal secondo dopoguerra ad oggi

secondo un percorso che, ad ogni scadenza, si indirizza verso aree diverse di analisi

storica e contenutistica.

Dopo “Proposte artistiche in Piemonte 1996/2004” della sperimentale edizione del

2004, e “Arte in Piemonte 1975/1995” tema del 2006 e prima fase di reale

consolidamento dell’iniziativa, ed il significativo intermezzo della “BAM on Tour 2007”,

nel 2008 abbiamo approntato una manifestazione intitolata “Art Design”, che ha

conosciuto un significativo corollario nell’estate 2009 con uno spettacolare allestimento

presso il Castello di Racconigi che, unitamente alla presenza ad Artissima, ha sancito

il lancio definitivo di una manifestazione nata per pura scommessa intellettuale e

tramutatasi in un appuntamento importante nel folto panorama di iniziative artistiche che

caratterizza Torino ed il Piemonte. Nel 2010 con “BAM Piemonte Project Grafik” ,

bissata con “BAM on Tour 2011” per la prima volta a Torino, abbiamo, con successo,

privilegiato il rapporto tra l’arte e la grafica pubblicitaria ed industriale, ma anche il fumetto

ed il neo pop. La quinta edizione della BAM si è svolta, dopo Verbania per le prime tre

edizioni e Carmagnola per la quarta, a Chieri, in sedi prestigiose quali la Biblioteca e

l’Imbiancheria del Vajro, ed anche nelle vetrine del centro cittadino, con il titolo

“Contemporary Photobox 2012”, con l' obiettivo di cogliere l’evoluzione di una linea

stilistica legata all’uso delle tecnologie quindi fotografia, video ed immagine digitale. La

“BAM on Tour 2013”, dedicata alla giovane fotografia piemontese, si è svolta presso

l'NH Lingotto Tech. Con la sesta edizione, anticipata rispetto al consueto nel febbraio

2014 sempre presso l'Imbiancheria del Vajro, “BAM Piamonte Project 6 80”, dedicata a

quel stimolante e controverso decennio, ed un allestimento coronato da un autentico e

pieno successo, riteniamo che la BAM sia entrata definitivamente nell'eccellenza delle

rassegne artistiche della nostra regione. Fatto certamente confermato dalla “BAM on

Tour 2015”, che, in sintonia con le celebrazioni religiose svoltesi nel 2015 nella nostra

regione, ha allestito una mostra in tema presso il Giardino delle Rose del Castello di

Moncalieri, dal titolo “Il cuore sacro dell'arte. La dimensione spirituale nell'arte

piemontese contemporanea”.

Per la settima edizione abbiamo scelto ancora la Città di Moncalieri.

L'allestimento sarà organizzato presso il Foyer delle Fonderie Teatrali Limone.

Il tema affrontato è quello, unico inedito per noi relativamente alle arti applicate, della

moda, con il titolo di “MODO. La moda nell'arte, l'arte nella moda”.

Nel corso del Novecento, a partire dalla avanguardie storiche, Futurismo in primo luogo,

molteplici sono state le contaminazioni, gli spunti, le reciproche influenze, dirette o

tangenti, tra le due discipline. Si pensi, nel secondo dopoguerra, tra i molti esempi, alle

sfilate di Pinot Gallizio con le modelle cinte da abiti realizzati con rotoli di “pittura

industriale”, alle varie declinazioni della Pop Art, ai luccicanti anni Ottanta, con la

creatività di stilisti come Elio Fiorucci, che fu il primo a portare in Italia Keith Haring.

Certo, si tratta di un tema affascinante, variegato e complesso, che avrebbe meritato un

paio di anni di lavoro, una rete di collaboratori, un budget da grande evento.

Tutte cose di cui purtroppo la BAM non dispone.

Io e Riccardo Ghirardini dal 2002, anno della preview del progetto presso il Fabrik di

Moncalieri, portiamo avanti con tenacia ed entusiasmo questa iniziativa, forse l'unica che,

a cadenza ormai annuale, stante l'avvento dal 2007 dell'edizione On Tour, si pone

l'obiettivo di analizzare in modo non conformista la creatività del territorio, in una

accezione di valorizzazione e confronto internazionale, compito a cui i Musei pubblici e

privati della Regione, nella quasi totalità, GAM e Rivoli in primo luogo, hanno da tempo

abdicato, soprattutto per quanto concerne lo scenario dalla seconda metà degli anni

Ottanta ad oggi, ma con ampie omissioni anche riguardo situazioni già storicizzate.

Abbiamo in questi anni fatto miracoli con i pochi mezzi a disposizione, rendendo la BAM

una manifestazione stimata e credibile, grazie al sostegno della Regione Piemonte , dei

centri piemontesi in cui si è allestita la rassegna, di alcuni sponsor, tra cui la Fondazione

CRT, e ad un patrocinio prestigioso come quello del MIBAC.

Siamo cresciuti soprattutto grazie al consenso ed alla collaborazione degli artisti e del

pubblico.

Riguardo al tema di questa settima edizione, dopo aver posto in relazione il linguaggio

dell'arte con quello del design, dell'illustrazione e del fumetto ci pareva giusto, anche a

seguito di alcuni suggerimenti , farlo anche con la moda, pur consci della vastità

dell'argomento.

Abbiamo optato per una soluzione che punta su di un ristretto e qualificato nucleo di

artisti sintonici al tema, affiancati da uno stilista importante come Walter Dang, che ha

fatto di Torino la base per un successo divenuto internazionale, da due artisti e docenti

emeriti dell'Accademia come Carlo Giuliano e Paola De Cavero, dalla scuola di Fashion

Design dell'Albertina di Sara Chiarugi, per concludere la carrellata con la performance di

Claudio Bellino.

La moda come simbolo di creatività e di potere e come "divisa sociale" è un fenomeno

che affonda le sue radici fin da tempi remoti, legata anche alla dimensione della ritualità,

dimensione che, come sostiene Walter Benjamin nel profetico saggio "L'opera d'arte

nell'epoca della sua riproducibilità tecnica". si dissolve a partire dalla seconda metà

dell'Ottocento, per effetto dell'avvento degli strumenti di riproduzione, che allargano il

valore di esponibilità, e del progresso tecnologico. La sfera della ritualità cede, a quel

punto, il testimone a quella politica.

Di un rapporto tra arte e moda, anche a seguito di riflessioni di natura sociologica e

filosofica, si può concretamente iniziare a parlare a partire da quella fase storica, quando

la società europea muta il suo assetto per effetto degli eventi del 1789 e della Rivoluzione

Industriale, e la moda diventa non più appannaggio esclusivo del ceto aristocratico al

potere, o, nel caso delle classi subalterne, pretesto per analisi antropologiche, ma si

tramuta in fatto di costume divenendo un termometro della società, nei termini

dell'inclusione/esclusione sociale.

Come sottolineato da uno dei più significativi intellettuali tra fine Ottocento e primo

Novecento, Georg Simmel, che con il suo saggio "La moda", pubblicato nel 1895, affronta

un tema alla fine di quel secolo diventato ormai di stringente attualità. Simmel pone

l'attenzione non già sulla "sostanza", quanto sulla "funzione" della moda, cercando di

comprendere il suo scopo nell'organizzazione della società, ed in rapporto ai bisogni

dell'individuo. Per Simmel la moda è in primo luogo un fenomeno sociale, un meccanismo

che coopera alla creazione di raggruppamenti , e risponde ai nuovi bisogni di una società

divisa in classi, cerchie, ceti e professioni quale è quella capitalista. Il suo essere

fenomeno effimero e perennemente cangiante è figlio della velocità moderna e del ritmo

delle metropoli, mutamenti intuiti e divulgati, tra gli altri, da Baudelaire, e poi dalle

avanguardie storiche e da Walter Benjamin. La moda è, prima di tutto, un fenomeno di

classe, con tendenze ad un abbigliamento che sia simbolo di omologazione e di

riconoscimento sociale, ma è anche esaltazione dell'individualismo, esibizione di un

modo di vestire eccentrico e stravagante, ma anche ricercato, come nel caso del dandy,

che attira l'attenzione su di se come veicolo di alterità rispetto ai miti e ai riti della

nascente società di massa. Scrive Simmel : "La moda è imitazione di un modello dato

e appaga il bisogno di appoggio sociale, conduce il singolo sulla via che tutti

percorrono, dà un universale che fa del comportamento di ogni singolo un mero

esempio. Non di meno appaga il bisogno di diversità, la tendenza alla

differenziazione, al cambiamento, al distinguersi. Se da un lato questo risultato le è

possibile con il cambiamento dei contenuti che caratterizza in modo individuale la

moda di oggi nei confronti di quella di ieri e di quella di domani, la ragione

fondamentale della sua efficacia è che le mode sono sempre mode di classe, che le

mode della classe più elevata si distinguono da quelle della classe inferiore e

vengono abbandonate nel momento in cui quest'ultima comincia a farle proprie.

Così la moda non è altra che una delle tante forme di vita con le quali la tendenza

all'eguaglianza sociale e quella alla differenziazione individuale e alla variazione si

congiungono in un fare unitario. Se si esamina la storia della moda, che finora è

stata trattata soltanto in rapporto allo sviluppo dei suoi contenuti, secondo la sua

importanza per la forma del processo sociale, essa si rivela come la storia dei

tentativi di adeguare sempre più l'appagamento di queste due opposte tendenze al

contemporaneo livello della cultura individuale e sociale. I singoli tratti psicologici

che osservavamo nella moda si ordinano in questo suo carattere fondamentale"

Gli elementi di dinamismo e velocità del corpo sociale in rapida mutazione denunciati da

Simmel vengono ripresi ed ampliati dalle avanguardie storiche, in particolare dal

Futurismo, con l'aggiunta della carica generata da una veemente volontà di rinnovamento

e di contestazione al decadentismo estetizzante della società di fine Ottocento, ed alla

pedanteria e conformismo culturale imperanti. La moda si tramuta da funzionale esercizio

di stile ad elemento di arte applicata. La carica antiborghese del Futurismo, la sua

rivendicazione di uno sconfinamento dell'arte dai suoi angusti recinti istituzionali verso il

mondo, in una dimensione etica ed estetica, tocca il modo di vestire alla ricerca di un

nuovo linguaggio artistico accessibile alla massa. Ciò, in coerenza con lo spirito

anticipatore dei tempi del Futurismo, ha introdotto la rivendicazione della

democratizzazione della moda, aprendo le porte a quello che, molti decenni dopo,

sarebbe diventato il pret a porter. La concezione del vestito per i futuristi diventa simbolo

di un nuovo modo di concepire l'esistenza. Quindi deve essere caratterizzato dalla

presenza di colori sgargianti e tra loro armonici, dotato di un taglio nuovo, infatti il collo a

V sarà una acquisizione di quell'epoca, dall' utilizzo degli accessori, definiti "modificanti",

come elemento fondamentale di personalizzazione dell'indumento, tale da non

permettere lo sprofondamento nell'anonimato di massa. I postulati dell'abbigliamento

debbono essere quelli dell'arte futurista, luce, colore e dinamismo, rigetto della tradizione

ed esaltazione della creatività personale. Giacomo Balla ebbe ad affermare "si pensa e si

agisce come si veste". Alcuni di questi argomenti ritornano negli scritti che un importante

intellettuale francese del secondo dopoguerra, Roland Barthes, dedica, tra il 1955 ed il

1967, alla semiotica della moda. Le riflessioni di Barthes traggono ispirazione dal saggio

redatto nel 1916 da Ferdinand de Saussure con il titolo "Corso di linguistica generale". In

questo saggio si afferma come il linguaggio umano possa essere studiato sotto due

profili, quello della "langue" (aspetto formale e sociale), e quello della "parole" (aspetto

concreto e individuale). La stessa impostazione, secondo Barthes, può essere applicata

anche al vestito, perche i fenomeni legati all'abbigliamento sono costituiti dal modo in cui

gli individui indossano il costume che viene loro proposto dal gruppo sociale di

appartenenza. Ma mentre Barthes studia l'abito come linguaggio, cerca di comprendere

quello che può dire, i Futuristi gli assegnano un compito, quello di testimoniare l'avvento

di un nuovo stile di vita. Nell'ambito della stesura dei manifesti, forma di comunicazione

più importante del Futurismo, dopo il "Manifesto del Vestito Antineutrale", redatto nel

1914 in chiara logica interventista, atteggiamento peraltro comune alla grande

maggioranza dell'avanguardia europea, una attenzione sempre maggiore alla moda, e ad

altre arti applicate o modelli di comunicazione, come arredamento, cucina e pubblicità,

sarà appannaggio del cosiddetto "Secondo Futurismo", dal 1920 fino alla morte di

Marinetti nel 1944, quando, delusi nella loro volontà di condizionare e guidare la politica

dopo la svolta reazionaria del Fascismo, i Futuristi si concentrano verso la creazione di

una società estetica. Avremo quindi, proprio nel 1920, il "Manifesto della moda femminile

futurista" e, nel 1933, il "Manifesto Futurista della Cravatta Italiana".

Il secondo dopoguerra, con la ricostruzione ed il boom economico, che conosce il suo

apice negli anni Cinquanta, ristabilisce un clima di fiducia, dopo lo scoramento

successivo alla conclusione del tragico secondo conflitto mondiale. Sono anni in cui

ritornano a circolare le idee delle avanguardie primo novecentesche, relativamente al

ruolo che l'arte può detenere nel nuovo contesto sociale caratterizzato da un'evidente

progresso tecnologico e dalla diffusione su larga scala di merci e beni di consumo. Si

tratta di una fase di grande spolvero per la creatività italiana, soprattutto nell'ambito

dell'arte applicata ed in particolare nel design, che assurge a vertici di eccellenza

internazionale. Il dibattito dell'avanguardia si concentra soprattutto nei primi anni del

Situazionismo (1957-1961), movimento che raccoglie alcune delle migliori menti europee

quali Guy Debord, Asjer Jorn, Costant, proprio in Piemonte, ad Alba e nel territorio della

Langa, grazie alla carismatica figura di Pinot Gallizio. Il Situazionismo sostiene la

necessità dell'abbattimento degli steccati tra arte e vita, un ruolo sociale per l'artista pari a

quello di altre categorie professionali, la creazione di una società estetica dove la

bellezza possa essere patrimonio di tutti, il deprezzamento delle opere o, nei casi più

radicali, la completa sparizione del sistema dell'arte. Gallizio pone in essere delle geniali

performance, prima tra tutte quella della "pittura industriale", dove lunghi rotoli di tela

dipinta vengono posti in vendita a metro, a prezzi accessibili. Altra derivazione da questa

idea fu la creazione di abiti femminili colorati fatti indossare a delle modelle, con la

tradizionale sfilata tramutata in azione artistica, modelle usate anche da Yves Klein per

creare calchi antropomorfi intrisi di colore blu, alle origini di quella che diventerà, a breve,

la Body Art.

Negli anni Sessanta ci troviamo all'interno di una fase storica cruciale. Da un lato l'arte

diventa a pieno titolo "contemporanea" concretizzando con le correnti Pop e le varie

declinazioni del Concettuale, la fuoriuscita dall'alveo bidimensionale, dall'altro la società

dei consumi vive, tra l'inizio e la fine del decennio, un passaggio emblematico tra il suo

momento di apice, e l'inizio del declino, dopo il 1968. La Pop Art americana abdica alla

dimensione narrativa per dedicarsi all'esaltazione degli stereotipi consumistici e delle

icone glamour del cinema, della musica, della cronaca e del potere politico. Andy Warhol

crea a New York la Factory e la rivista Interwiew, realtà che vivono del dialogo simultaneo

tra arte, cinema. musica e moda. Anche la figura della modella acquista nuovo carisma,

basti pensare a Twiggy, cui Mary Quant affidò il lancio della minigonna, e che fu una delle

muse predilette da Warhol, Verushka o Donyal Luna, prima modella di colore, che

collaborò con vari creativi e registi, come il nostro Carmelo Bene, con un ruolo importante

nel film "Salomè" del 1972. La moda, a partire dai Sessanta, esce fuori dai confini della

sartoria d'alto rango, o della produzione qualitativa di serie, per focalizzarsi sulla

debordante creatività di alcuni grandi nomi che diventano gradualmente delle star a livello

mondiale, fenomeno che prosegue nel decennio successivo per conoscere l'apice negli

anni Ottanta, nomi talmente celebri che non vale la pena di citarli a mo' di elenco. Da

segnalare una serie di abiti divenuti celebri, ispirati allo stilista francese Yves Saint

Laurent dalle opere di Piet Mondrian.

Il decennio successivo, quello dei Settanta, è, al tempo stesso, pieno di stimoli e di

contraddizioni. Termina l'ondata benefica della ricostruzione post bellica e, per effetto

della crisi petrolifera, l'industria e la produzione entrano in una fase di pesante

recessione. Sono anni di impegno civile, con importanti conquiste di cui ancora oggi si

avvertono i benefici in termini di diritti acquisiti, di tensione politica e sociale con la

strategia della tensione ed il terrorismo, ma anche di creatività soprattutto giovanile. La

moda degli anni '70, fatta di camicioni a colori sgargianti, pantaloni a zampa di elefante,

sandali e gonne indiane e, più in generale, l'infatuazione per l'India e per l'Oriente, trova

forti riscontri nella musica ma pressoche nessuno nell'arte, che in quel decennio vive

l'algido rigore e l'impegno politico del Concettuale.

Discorso tutto diverso per gli anni Ottanta. La conclusione di un periodo storico

precedente, caratterizzato da una massiccia presenza dell'ideologia, e dal predominio del

collettivo rispetto al singolo, determina l'avvento di una fase multidisciplinare di

estroversione creativa e di individualismo sfrenato, caratterizzata da molti aspetti positivi,

nei termini di una liberazione della vocazione artistica e comunicativa e da vari tabù e

dogmi, in realtà eredità concretizzata delle battaglie dei movimenti degli anni Sessanta e

Settanta, e da alcuni controversi, come un certo culto eccessivo dell'immagine, del

denaro e del successo. Sono anni di euforia economica, determinata dall'avvento di

politiche liberiste e dall'inizio di una fase, che perdura ad oggi, dominata dalla finanza. In

Italia è l'epoca del "Made in Italy" e del trionfo dei nostri stilisti, che diventano delle

celebrità mondiali, come Giorgio Armani, Valentino, Krizia, Trussardi, Ferrè, Gianni

Versace e successivamente Moschino e Dolce & Gabbana, per citarne alcuni, senza

dimenticare le shoccanti campagne fotografiche di Oliviero Toscani per Benetton, per

molti direttamente ispirate dal creatore di moda veneto. Ma se si vuole indicare uno

stilista realmente simbolico del rapporto tra arte e moda, questi è certamente Elio

Fiorucci, scomparso circa un anno fa. Fiorucci rappresenta la parte migliore del decennio,

in termini di creatività applicata alla produzione di capi d'abbigliamento innovativi ed al

tempo stesso, alla portata di tutti in termini di possibilità d'acquisto. Lo stilista milanese si

è, fin dagli anni Sessanta, nutrito di ispirazioni provenienti dal mondo dell'avanguardia

artistica, dove avverte la presenza di una tensione creativa e di una capacità di

comunicare che appaiono congeniali alla sua filosofia di vita. Memorabili diverse sue

iniziative nei primi anni Ottanta, come la decorazione affidata a Keith Haring del suo show

room milanese, ed il primo concerto italiano di una ancora sconosciuta Madonna, di cui

Fiorucci, da accorto talent scout, aveva intuito il talento.

La fase successiva, dagli anni Novanta ai giorni nostri, si è giocata prevalentemente

nell'ambito di un eclettismo stilistico affine allo spirito relativistico e citazionista della post

modernità, peraltro già iniziato negli anno Ottanta da un punto di vista formale, anche se,

in quel decennio, si viveva ancora in una dimensione parzialmente proiettata verso il

futuro, dimensione oggi del tutto assente e sostituita, specie dopo il crollo delle Torri

Gemelle del 2001, con conseguente avvento del terrorismo globale, e la crisi economica

del 2008, da una visione d'insieme che non riesce ad andare oltre un raggio breve. La

categoria che potrebbe riassumere questo periodo storico penso possa essere quella del

"Camp". L'estetica Camp, che pare affine ma è in realtà differente rispetto a quella del

kitsch, dove spesso chi produce è convinto della bontà del suo operare, e quindi ricade

nella vasta categoria del "dilettantismo" artistico, parte non da oggi ma dalla fine

dell'Ottocento, da quel Dandysmo di cui Oscar Wilde si può considerare nume tutelare. Il

Camp si consolida, ma non solo, nel mondo omosessuale, peraltro assai vicino alla

sensibilità della moda, e vede la dimensione estetica concepita in primo luogo come

messa in scena ed artificio. Secondo la definizione di Susan Sontag del 1964 : "Camp è

una forma particolare di estetismo. E' un modo di vedere il mondo come fenomeno

estetico. Questo modo, il modo di Camp, non si misura sulla bellezza ma sul grado

di artificio e stilizzazione". A partire dall'Art Nouveau, il Camp si sviluppa in una

dimensione duplice che privilegia sia i soggetti che gli oggetti, in una accezione estetica

che vede la prevalenza dello stile rispetto al contenuto. Metafora che ben si addice alla

scena attuale, sia dell'arte che della moda. L'estetologo Mario Perniola, uno dei più lucidi

osservatori del contemporaneo, nel suo saggio "L'Arte e la sua ombra", pubblicato nel

2000 ma del tutto attuale, si esprime così parlando del realismo estremo : " Nel realismo

estremo due linee di tendenza sono emerse con particolare chiarezza : la prima

orientata verso la moda, la seconda verso la comunicazione. Il realismo estremo ha

prodotto una quantità assai rilevante di immagini dotate di fortissimo impatto

emozionale : esse interagiscono con quelle della moda, del cinema, della

televisione, di internet, della grafica, della pubblicità, del design, dando luogo ad

un immaginario sociale caratterizzato dalla provocazione. La ricerca della novità e

dell'effetto, perseguita per se stessa, implica anche una rapida usura o

obsolescenza delle immagini, che debbono essere continuamente sostituite da

altre di maggior forza d'impatto, oppure di caratteristiche capaci di risvegliare

l'attenzione. L'arte tende così a dissolversi nella moda, la quale ottunde e spegne la

forza del reale, dissolve la sua radicalità, normalizza e omogeneizza ogni cosa in

uno spettacolo generalizzato...Ora l'arte è certamente affine alla moda, perchè

condivide con essa non solo il brivido della novità e della sfida, ma anche

l'ebbrezza che deriva dal sentirsi in presa diretta con lo spirito del tempo; tuttavia

essa non è mai attuale nel senso in cui è la moda, cioè sociologicamente

dominante."

Edoardo Di Mauro