La pelle della cultura

Carta: un viaggio senza fine

La si può ricavare con tutti i materiali composti da cellulosa, può essere usata per scrivere, per

stampare, per avvolgere, per dipingere, per proteggere, per comunicare. E può essere la materia prima

dell’opera d’arte.

Declinata in sculture leggere, rielaborata, tagliata e incollata, infilata per formare gioielli, impressa o

ricomposta, la carta è la protagonista assoluta della nuova mostra CART’ART allestita presso il Museo

Pier Maria Rossi che, per l’occasione, ha invitato undici artisti a confrontarsi con un mezzo semplice e

quotidiano, ma che può offrire profondi spunti in molti ambiti creativi.

In questi anni, nonostante l’irruento emergere del digitale in ogni sua forma, anche come strumento

di lettura, la carta sembra riconquistare una posizione di prestigio che ne recupera in primo luogo la

storia, le vicende, il rispetto per un supporto che da millenni veicola la nostra cultura. Come scrive

Valerio Dehò, “Le carte per gli artisti sono spesso dei segreti. Il lavorarci sopra e intorno costituisce per

loro un momento di sublime intimità, di autoriflessione, quasi fosse sempre pronta e disponibile ad

accogliere le lacrime di una confessione.”

Gli artisti che espongono a Berceto, accomunati dalla predilezione verso un materiale leggero e

naturale e a un’ispirazione che spesso è fonte di riflessione sul rispetto dell’ambiente che ci circonda e

sul recupero creativo degli “scarti”, sono stati selezionati attentamente e con le loro opere propongono

un viaggio coerente nel mondo della carta. Molti hanno un curriculum affermato – tra collaborazioni

con il MART di Rovereto, Biennale di Venezia e altre prestigiose istituzioni – altri, più giovani, sono

poco più che esordienti e apportano una linfa particolarmente stimolante alla produzione artistica di

questi nostri anni.

Il percorso tra le sale del Museo si snoda quindi in varie tappe che illustrano tanti dei possibili

usi creativi della carta. La sua potenzialità a diventare scultura, prima di tutto: le opere di Maria

Francesca Tassi, realizzate attraverso una particolare tecnica di lavorazione scultorea dei fogli, danno

luogo a creature vegetali reali o immaginarie che portano a riflettere sul processo di trasformazione

dall’albero alla carta e a ridare al prodotto che tutti usiamo quotidianamente una nuova vita sublimata

attraverso l’arte.

La leggerezza della carta di riso diventa luminosa nei lavori di Giovanna Corsi che reinterpreta la

lanterna orientale in chiave figurativa, trasformando con pazienza e meticolosità i palloncini colorati in

ballerine eleganti e affascinanti.

Nell’assenza del corpo, che è solo volume vuoto, Elvezia Allari costruisce da molti anni vestiti sospesi

– dalla biancheria a sontuosi abiti da sposa –, e nelle sue ricerche più recenti fa la sua comparsa la

carta: recuperando materiali poveri e di scarto l’artista restituisce teatralmente l’anima all’abito e ne

svela il suo essere protagonista dell’immaginario femminile.

Sopra gli indumenti, i gioielli. Quelli di Angela Simone, manufatti delicati ispirati alle tecniche del

quilling (arte di arrotolare la carta o addirittura il cartoncino) o del suminagashi giapponese, o ancora

realizzati rivestendo ciondoli di varie forme con carta marmorizzata, tenendo sempre a mente il

rispetto della natura e l’uso di colori ad acqua.

CART’ART espone anche dipinti veri e propri, in particolare quelli del giovane Matteo Sclafani con le

sue figure “spigolose”, spesso persone anziane ritratte in grandi dimensioni e con modalità stilistiche

che molto hanno a che fare con l’espressionismo, quello di Schiele in particolare. Al disegno vero e

proprio l’artista sovrappone strati di carta colorata che vestono i corpi nudi, scarni e poco accoglienti,

creando un contrasto di materiale e di gamma cromatica efficace e sorprendente.

In una contaminazione di mezzi si colloca la pratica dell’installazione contemporanea, anch’essa

rappresentata in mostra: Eleonora Cumer in particolare si dedica alla composizione di libri d’artista

che, da contenitori di parole, diventano oggetti tattili, tridimensionali, anch’essi molto vicini al

trasformarsi in sculture, in un’operazione di recupero che coinvolge vecchi volumi trovati nei

mercatini ai quali, attraverso la mediazione dell’artista, viene conferita in pieno la qualifica di oggetto

prezioso.

Gianluca Quaglia invece allarga il suo intervento all’ambiente che lo circonda, prendendo possesso

degli spazi – anche urbani – e istituendo una profonda interazione con il pubblico tramite installazioni

cartacee.

L’incisione e l’intaglio dei fogli caratterizzano le opere di Giorgio Tentolini e Babiscia. Il primo

scarnifica con un paziente lavoro eseguito tramite un bisturi, risme di fogli sovrapposti per

creare volumi vuoti in cui le sagome umane emergono e sembrano prendere vita con i loro gesti

quotidiani, come quelli che si compiono al mattino, in una Pure Morning. La seconda si riferisce

più tradizionalmente al termine “incisione” e realizza stampe calcografiche, acqueforti su tutte,

proponendo racconti che prendono spunto dagli oggetti d’uso, quasi voci di un dizionario

enciclopedico del quotidiano trasfigurato con uno sguardo contemporaneo.

Ancora, un ritorno alla tradizione del quaderno, del taccuino, che Patrizia Peruffo reinterpreta

in chiave attuale, restituendoci oggetti da usare ma che in sé stessi recano una pratica artigianale,

artistica e un’idea di design nel suo senso originario: quello di oggetto creativo per l’uso reale.

Infine la matericità dell’elemento carta risalta nei lavori di Renza Sciutto, conosciuta in particolare

per le ricerche sulla ceramica raku: le Carte dell’ascolto, che abbandonano la parola per farsi opere

tattili e mute, utilizzano un linguaggio differente che raggiunge immediatamente le emozioni

dell’uomo e, come afferma l’artista stessa, “le ragioni del cuore”.

Marta Santacatterina