LA TENSIONE DI UN ISTANTE

Il disegno diceva Ingres è la probità dell’arte. E’ un aforisma che, tradotto in italiano

corrente, significa pressappoco: “il disegno dà la misura dell’onestà e dell’autenticità di un

artista”.

Nel caso di Claudio Vigna, effettivamente, il disegno sembra testimoniare una vocazione

espressiva autentica e senza trucchi. Le sue opere, soprattutto quelle del primo periodo,

si reggono soprattutto sui valori del disegno.

Mi riferisco al periodo in cui l’artista era vicino al mondo del fumetto e il suo segno alla

scuola realista. Il realismo di Vigna, però, in quegli anni era così preciso e meticoloso,

così millimetrico e analitico, da risultare estraneo alle categorie più prevedibili. Del resto

già Morandi avvertiva che “non c’è niente di più astratto del visibile”, intendendo dire che

non c’è niente di più metafisico delle cose concrete. (La contrapposizione fra astrazione e

figurazione, sia detto per inciso, è ormai felicemente superata, e in ogni caso non riguarda

la generazione di Vigna).

Osserviamo dunque qualche opera del primo periodo.

“L'avventura è mistero", oppure “occhi d'ebano", o ancora “labbra del caribe" sono

realizzati con notevole perizia tecnica che oserei definire quasi concreta soprattutto nella

fisicità degli elementi: una matericità sottilmente indagata con la matita e il pennello,

attraverso i minimi corrugamenti della superfice, attraverso il lieve vibrare delle masse in

bianco e nero.

Quella che Vigna ci ha descritto per anni sia nei fumetti che nei primi lavori, è un realtà

senza maschere e senza illusioni. Nei suoi lavori non accedeva nulla di drammatico, anzi,

spesso sono marine o tramonti, oppure una finestra che si apre sul terrazzo o il timone di

una nave; qui non c’era nessun teatro dell’angoscia, nessuna accademia del negativo. E’

stato un periodo di ricerca, di sperimentazione che hanno portato l’artista ad affrontare

varie fasi: in ognuna egli aggiungeva colore e anima giungendo poi a trasmettere quel

sentimento di sospensione che caratterizza i lavori degli ultimi anni.

Oggi, infatti, Claudio Vigna è un pittore che ama affrontare tutte le sfide della vita

servendosi dell’acquarello; tecnica attraverso la quale esprime la sua essenza e incarna

pienamente quel “moto perpetuo” che caratterizza ogni suo pensiero e gesto.

La sua arte è ora caratterizzata dall’insistenza della mano che percorre foglietti

qualunque, depositandovi corsi e ricorsi del segno che insinuano la propria traccia ai

margini del tempo. Purissimo e semplice automatismo, in parte, questa tecnica lieve,

questa discreta deviazione verso il limitare del tempo contempla però anche tanto

nell’ordine della rappresentazione, una tendenza all’immagine, una tensione sospesa ad

impigliare e trattenere l’intelligenza nel gioco di un momento, nel piacere di un esercizio di

stile, totalmente gratuito ma che si offre allo sguardo come scrigno fervido di potenzialità,

come embrione di un linguaggio, di un futuro per quelle rappresentazioni nate

“casualmente” (per utilizzare le parole del Maestro).

Sicuramente ci troviamo di fronte ad un artista il quale comunica servendosi delle velature

dell’acquarello quasi fosse una sua appendice, e questo è, per lui, così tanto riservato,

l’unico modo di dire ogni cosa senza condizioni né termini. La gestualità di Claudio Vigna

agisce con veloci pennellate praticando giochi di contrappunto cromatico, che si risolvono

in rapporti di limpida purezza fra i colori che, talvolta suddividono la tavolozza riducendola

all’essenziale: ed ecco che il grigio con le sue tante sfumature diventa, ad esempio, il

protagonista assoluto del lavoro.

A differenza del sopracitaato primo periodo le sue raffigurazioni attuali, di paesaggi, di

marine per citarne solo alcune ­ hanno l’essenzialità e l’immediatezza segnica di una

pittura che sembra nascere direttamente dal colore, senza la necessità di un disegno

preparatorio. Oggi solo il colore sembra quindi abilitato ad aprire tutti gli orizzonti sensibili

della sua visione.

Questo abile artista avverte la necessità di variare i temi preferiti attraverso il filtro di una

visionarietà capace di decantare la passione in modulazioni nostalgiche, evitando

l’iperbole e senza cadere nella banalizzazione.

Da qui deriva che nel suo mondo ­ che io amo definire astrale e visionario – sono

scomparse tutte le forme eccessivamente descrittive e i punti di riferimento stabili. Ma per

spiegare più a fondo tale concetto porto un esempio legato al novecento. Se la metafisica

classica innesta il nucleo del paradosso logico entro le coordinate della sequenza

temporale, fino a produrre un cortocircuito che congela la percezione nella rigidità

dell’istante sospeso oltre al tempo lineare, Vigna al contrario, interviene invece sulla

dimensione spaziale, compromettendo le sicurezze dell’orientamento, unendo la materia

liquida in modo da inventare ectoplasmi fluttuanti caratterizzati da forme che diventano

simboliche, luoghi e insieme pura immaginazione onirica dominata da leggi fisiche altre,

diverse.

Lui che definisce l'acquarello come un mondo da "portare in tasca una pochette, un

quadernetto poi basta trovare un goccio d'acqua, un pensiero ed è fatta".

Più in specifico Vigna afferma: "il vantaggio di essere acquarellista sta nel fatto che pensi

e dipingi contemporaneamente. Non si dipinge soli ad acquarello, si sta in molti; la carta,

materiale vivo, sensibile. L'acqua elemento dal carattere forte, volitivo, non facilmente

domabile. Gli Dei che, se di buon umore, possono essere alleati preziosi, ma guai se son

di cattivo umore... ed il pittore, l'artista che con l'esperienza, il mestiere e la pazienza, a

volte può coordinare questi caratteri... a volte..."

Cinzia Tesio