In  un’epoca  di  ridefinizione  dei  generi  la  pittura  mantiene  la sua  centralità  riuscendo,  nei  casi

migliori,  a rinnovarsi da un punto di vista iconografico, quindi  conservando quella  caratteristica

che le è propria, implicita al concetto di “technè”, di tirocinio artigianale visto in una dimensione

di sublimazione  dell’agire  artistico,  con modalità  attente  e riflessive,  abbinando  a  questa  antica

vocazione la capacità di osservare con occhio partecipe e disincantato al tempo stesso l’esistente,

decontestualizzandolo dalla sua effimera contingenza materiale per dargli forma nella dimensione

del simbolo.  Da  quando  l’arte si  è  calata  in  una  nuova realtà sociale,  che  le  ha mutato  diversi

connotati ponendola all’interno di un diverso e più complesso sistema relazionale, cioè dall’inizio

dell’ 800, la pittura si è posta in due occasioni, ovviamente tra loro diverse, a salvaguardia dei suoi

valori fondativi : all’esordio della rivoluzione industriale, con le correnti del Romanticismo che ne

difendevano il livello auratico, e dopo il 1975, a seguito dell’ingresso nella società postindustriale

e  della  crisi  del Concettuale.  Seguo  con  partecipazione  le  vicende  della  pittura sin  dagli  esordi

della mio mestiere di critico ed organizzatore culturale, quindi dal 1984. 

Negli anni Zero la mia ricerca è proseguita culminando, nel 2005, con la curatela, presso la Fusion

Art Gallery di Torino de “La contemporaneità evocata”, e, nel 2012, di “22 pittori italiani”, presso

la Pow Gallery, rassegne nella quali ho colto alcuni spunti di parziale mutazione stilistica che mi

paiono validi a tutt’oggi. Essendo, sin dall’antichità remota, lo strumento mimetico per eccellenza,

la  pittura  riesce  a  metabolizzare,  con  procedimento  metamorfico,  tutto  quanto  proviene

dall’esterno,  e  sta  riuscendo  nell’impresa  anche  relativamente  a  strumenti  come  la  fotografia,

l’immagine  digitale  e,  più  in  generale,  tutto  l’inesauribile  armamentario  di  simulacri  della

contemporaneità.   Quindi il termine  “evocazione” in  questo  caso  è interpretabile in  una  duplice

accezione. Da un lato il ritorno di un’attenzione curiosa e partecipe nei confronti degli stereotipi

mediali, come avvenne negli anni’80, ma mantenendo molte caratteristiche di quell’atteggiamento

di freddo  ed  algido  distacco mentale  tipico,  almeno secondo  la mia  lettura,    degli  anni ’90. La

contemporaneità appare nuovamente come narrazione iconografica prevalente, ma sfumata in un

atteggiamento  evocativo  di  suggestioni  che  furono  un  tempo  intense  e  nel  “qui  ed  ora”  si

ripropongono come sfocate dalla consapevolezza e dal disincanto.

La premessa di taglio storico vale ad inquadrare il lavoro di due protagonisti della scena artistica

contemporanea,  attualmente impegnati sul fronte  pittorico,  come Leonardo Santoli  e Gianfranco

Sergio, che ho il piacere di presentare, insieme ad Alessandro Novazio, in questa bi – personale,

che  inaugura  la sede  espositiva  della  Sala  della  Vasca,  presso  l'ampio  immobile  che  ospita,  a

Torino,  i locali dell'Ex Birrificio Metzger – Centro di Cultura Contemporanea.

Seguo il lavoro di entrambi gli autori da molti anni, con Gianfranco Sergio abbiamo avuto varie

occasioni  di  collaborazione  mentre  con  Leonardo  Santoli,  di  cui  ho sempre stimato  il  coerente

percorso  artistico  e le qualità umane  e professionali,  è il primo  ed  atteso momento di  confronto

diretto.

Cosa  accomuna  i  due  artisti?.  Nella  fase  attuale,  oltre  all'uso  della  pittura,  una  poetica  ludica,

irriverente  ma  al  tempo  stesso  colta  e  consapevole,  che  li  collega  alla  parte  migliore  della

tradizione culturale italiana, quella che parla al presente conscia della lezione del passato e poco

incline a piegarsi al dettato globale dell'”international style”, sinonimo di “politicamente corretto”.

Leonardo Santoli appare alla ribalta dell'arte italiana negli anni Ottanta, caratterizzati da una decisa

virata verso il clima della post modernità. La formazione dell'artista è, per sua stessa ammissione

nell'ambito di una intervista corollario di un progetto a quattro mani sviluppato con Lucio Dalla,

grande  amante  dell'arte,  in  quel  periodo,  influenzata  dalla  linea  concettuale  e  comportamentista

degli  anni Settanta.  Santoli  non si limità,  però,  ad una diligente  opera  di ricalco  di schemi

precedenti, ma ribalta i termini della questione collocandosi nella scia di autori atipici come Boetti,

Mondino ed Ontani, quest'ultimo in particolare per la linea espressiva sviluppata nelle sculture e

nell'ampio repertorio oggettuale. Il percorso di Santoli si articola in alcuni precisi filoni di ricerca

iconografica.  Nella  parte finale  degli  anni  Ottanta  abbiamo  la serie  “Arcaica”,  caratterizzata  da

composizioni aniconiche risolte con la modalità di una astrazione concreta, sul modello del MAC

anni Cinquanta. In seguito l'autore sviluppa le “Mappe” , cartografie bizzarre e variopinte che si

ispirano all'incerta ricerca dei confini del mondo tipica dei tempi antichi, per passare a quelle dei

“Personaggi” e degli “Animali”, dove il registro dell'autore opera un corto circuito tra passato e

presente, tra repertorio pop e mitologia, con un effetto finale di indubbia coinvolgente originalità.

Questa ricerca  costante rivolta verso gli stereotipi  culturali,  abilmente  condotti nella dimensione

globale  del  presente,  è  evidente  nella serie  degli  “Arlecchini”,  che sarà  presentata  in  mostra  a

Torino. In queste composizioni la tradizionale maschera italiana, ubiqua ed irrequieta, calza i panni

di svariati personaggi calati in  pose di quotidianità, di balletto e di sfida, sullo sfondo di intensi e

fitti  patterns  cromatici.  L'anonimato  del  volto,  maschera senza  occhi  nè fattezze  umane, sta  ad

indicarne l'intercambiabilità e la predisposizione ad interpretare molte parti in commedia.

Gianfranco Sergio  è un  autore  che  esordisce giovanissimo nei primi  anni Ottanta, presentandosi

alla  ribalta  con  una  importante  personale  presso  la storica  galleria  Rinaldo  Rotta  di  Genova.  I

lavori di quegli anni si pongono in sintonia più che con gli autori della generazione a lui coeva, con

cui Sergio gioca di anticipo, con la fase del post concettuale emerso a partire dalla fine degli anni

Settanta.  Sono  evidenti  analogie  con  autori  appartenti  al  gruppo  dei Nuovi Nuovi  teorizzato  da

Renato  Barilli.  Si  tratta  di  opere  che  oscillano  da  una  campitura  larga  di  martice  astratto  –

organicista,  ad  altre  vivacizzate  da  un  dinamico  puntinismo  che  evoca  i  pixel  dell'immagine

digitale. La fase successiva degli anni Novanta, dove avviene il mio incontro con l'autore, è quella

dello svilupparsi di un ampio repertorio oggettuale ed installativo. L'artista racchiude frammenti di

memoria all'interno di contenitori che assumono le vesti di scrigni del vissuto personale ed al pari

si  cimenta  nella  creazione  di  macchine  e  velivoli  che  potremmo  definire  di  “archeologia

futuribile”, sulla scia di un campione di questo genere di progetti come Gianni Piacentino. Dopo

questa fondamentale ricerca  tridimensionale  Sergio  decide  che  è  ora  di ritornare  nell'ambito,  in

fondo prediletto, della tela, dove riproporrà quell'interesse per le forme sinuose, curvilinee, aguzze

e coniche che aveva già sperimentato in precedenza. L'artista si pone anch'egli, come Santoli, nella

scia  della  tradizione  italiana,  proponendo  uno stile  figurativo sorprendente  e  pirotecnico,  dove

elementi  tratti  dalla  sperimentazione  del  Secondo  Futurismo,  Balla,  Depero  l'aereopittura,  si

congelano talvolta in interni e paesaggi di maggiore volumetria formale e sospensione metafisica,

sempre  contraddistinti  da  una  giocosa  e  non  banale  ironia,  in  grado  di  parlare  del  presente

adoperando lo strumento dell'allegoria. Come da me sottolineato in una delle varie presentazioni

che gli ho dedicato : “Sergio contestualizza gli elementi che da sempre caratterizzano la sua arte

all'interno di una figurazione gioiosa e neo barocca perchè caratterizzata dallìipotassi dei piani, un

vero e proprio inventario umano e culturale dotato di una precisa nervatura concettuale”.

Con  Alessandro  Novazio,  prendendo spunto  dalle  affinità  dei  due  autori  e  dagli  Arlecchini  di

Santoli, abbiamo deciso di intitolare la mostra “Servitori di due padroni”.

 

Edoardo Di Mauro, marzo 2014.

















Il servitore di “due” padroni

Il servitore di “due” padroni, oltre che il titolo della mostra, è una celebre commedia di Carlo Goldoni. Arlecchino che “duetta” con Beatrice è il soggetto che Santoli pittore presenta in “doppia” personale con un altro pittore che ama stupire con immagini fantastiche o forse meglio psichedeliche (che rivelano la psiche), dove uomini “incravattati” quindi strozzati o improbabili aerei/fallo “penetrano” altrettante improbabili “mega pinze per il bucato”, insomma come di quelle che usa la mamma per stendere i panni ad asciugare. Il tema del doppio e dell’inconscio. Servitore e servito. Significante e significato. Padre, madre. Allo steso tempo servitori e padroni di se stessi. Servitori di “due” padroni o forse tre: ES, IO, SUPER IO.
Per “entrambi” l’impressione è che vi è una mancanza strutturale di godimento, infatti come potrebbe godere “un incravattato” cioè uno strozzato dagli usurai? Al posto di questo godimento perduto, irrecuperabile, c'è un nulla. Il significante di questo vuoto per Sergio è il fallo nella sua astrazione (è un significante molto particolare così come vedremo tra poco per Santoli, perché il suo significato non c'è, ma è comunque sempre un significante, non è né un fantasma, né un oggetto, né tantomeno un organo ma è/sono appunto il fallo/gli attori). Per Santoli lo stesso significate sono gli attori, il fallo della commedia, che vivono in uno spazio vuoto dove i personaggi per svelarsi hanno bisogno di “fare il giro delle quinte” della sua invenzione criptata, di svelare le carte del suo fantasma, del suo oggetto e o significante padrone.
In ogni caso oltre le opinabili interpretazioni, la costruzione del campo della realtà funziona e non necessita di decostruire, decodificare, quanto piuttosto di ordinare, diciamo d’inventare un'estrazione. Il quadro, o meglio i quadri in mostra, sono quindi non frammenti ma estratti del/dal campo della realtà, di cui e per cui (e mi si passi il gioco di parole) ne divengono il quadro e la cornice. Concludendo, in entrambe i casi il “Vero” è il linguaggio che permette “agli autori” (in questo caso pittori) di considerarsi “come il macchinista cioè …. il regista di tutta la cattura immaginaria di cui altrimenti non sarebbe che la marionetta vivente." (J. Lacan "La direzione della cura e i principi del suo potere", 1957, inÉcrits, p. 633).
(A.N.)