ART for The World Europa dispone presso Open Care di una sala di circa 120mq dove sono presentati progetti di artisti e proiezioni di film e video. Il giorno dell’inaugurazione è caratterizzato da una tavola rotonda, in cui i relatori interagiscono con il pubblico.
Dopo Marta Dell’Angelo in maggio e i Masbedo in settembre, lunedì 16 novembre si inaugura Stilllife di Luca Pancrazzi. In questa occasione, l’artista invita Elio Grazioli, critico d'arte contemporanea, Milano; Gigi Giannuzzi, editore Trolley Books, Londra; Orazio Fernandez, critico e curatore d'arte, Madrid; Mario Cristiani, gallerista, Galleria Continua, San Gimignano/Beijing/Le Moulin; Flavio De Marco, artista, Berlino/Bologna.
Stilllife è un quadro emblematico, una natura che rappresenta la quotidianità e la dimensione più intima e audace che appartiene all’artista. “Uno studio dipinto è un autoritratto nel contesto” (Horacio Fernández - Nello studio di Luca Pancrazzi - catalogo Stilllife 2009). Stilllife è anche il titolo della monografia edita da Trolley Books, che raccoglie tutto il ciclo di opere dedicate allo studio della natura morta.
Luca Pancrazzi è nato nel 1961 a Figline Valdarno (Firenze). Vive e lavora tra Milano e la Toscana. Attualmente in mostra a Zurigo nella Galerie Andrea Caratsch la sua personale intitolata Stilllife.
Nel corso dell’ultimo decennio, Luca Pancrazzi ha partecipato a numerose Biennali e Triennali tra cui quelle di Venezia, Mosca, New Delhi, Montenegro, Albissola e la Quadriennale di Roma, nonché a mostre o collezioni quali Unicredit al Mambo di Bologna, PS1 e Whitney Museum of American Art at Champion, UBS, Museo Marino Marini di Firenze, Galleria Civica di Modena, Museo d’arte per bambini del Santa Maria della Scala di Siena, Lenbachhaus Und Kunstbau di Munchen, GAM di Torino, Palazzo delle Papesse di Siena, Museo Cantonale d’Arte di Lugano, Centro di Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato, PAC di Milano, MART di Rovereto.
Conversazione tra Adelina von Fürstenberg e Luca Pancrazzi, (estratto dal catalogo Stilllife, Trolley Books, 2009):
ADELINA von FÜRSTENBERG: Nel 2005 avevi trasmesso in diretta le inaugurazioni delle tue due mostre dalla galleria di Zurigo a quella di Milano e avevi messo il visitatore nella possibilità di trovarsi simultaneamente in due spazi.
LUCA PANCRAZZI: Il campo di relazione che avevo messo insieme in quella mostra è esplicativo del mio modo di lavorare: c’è sia un aspetto intimo, rappresentato dalla pittura, sia un aspetto che tende a considerare l’opera come l’inizio di un gioco di rimandi con lo spettatore. Ho portato sullo stesso terreno di gioco tutti gli aspetti del mio modo di lavorare e di osservare il mondo.
Le sculture in forma di colonna coi paesaggi interni vorrebbero essere una simmetria concettuale del mondo passando per la membrana ottica dello spettatore. Le immagini trasmesse in diretta durante la mostra dalla galleria di Zurigo a quella di Milano pongono l’osservatore in uno spazio e in un luogo “fuori registro” con la realtà. Il soggetto diviene il tempo e lo spazio.
Il titolo poi, Simmetria variata-variabile, è una citazione variata di un’altro mio titolo (Simmetria variabile-variata), utilizzato per la mia prima mostra personale nel 1991.
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AvF: Questa predominanza della percezione individuale dello sguardo, oggi è una cosa rara, perché ormai tutto è legato alla materia e quello che dà materia è il corpo. Tu invece ci lavori ancora con lo sguardo, con una sorta di ritorno all’astratto partendo dal punto di vista del tuo sguardo.
LP: Forse è in modo generico una prerogativa dell’arte italiana… credo che si potrebbe anche parlare di prerogative italiane… almeno sino ad oggi ho sempre portato in me un senso rinascimentale ed empirico dello spazio. Nelle mie opere è presente il coinvolgimento continuo dello spazio intorno, sia nel momento in cui il soggetto è solo il modello osservato e/o fotografato, sia nel momento di rappresentazione attraverso proporzioni più intime.
Mi vengono sempre in mente delle regole che devono essere inventate per condurre un gioco che non c’è ancora, così invento prima delle regole e poi cerco di portare tutti dentro quel gioco. Normalmente riduco gli elementi per provare a portare il gioco alle più radicali possibilità, dimostrando che, seppur con elementi ridotti, c’è sempre lo spazio per mettere in atto un gioco e raccontare tutto ciò che è necessario.
AvF: M’interessa anche molto il tuo essere pittore, il fatto di usare il gesto, questo tuo rapporto con la tela, con la materia: non stai industrializzando il tuo lavoro, facendo fare i tuoi quadri da altri. Il tuo gesto ti permette di riunire tutte queste forme e quindi utilizzarle poi in una specie di inconscio collettivo personale in cui metti insieme tutti questi dati che hai appena nominato.
LP: Non potrei delegare parti del lavoro che hanno bisogno di essere inventate di volta in volta. Nella pittura, quando ho fatto tirare la tela sui telai e fatta preparare con la colla il lavoro non è più delegabile. Dovrei inventare una pittura diversa, delegabile, la mia pittura prevede un rapporto estremamente intimo e fisico per poterne azzerare il segno in maniera personale.
D’altra parte questi quadri li ho inventati mentre preparavo alcune tele con del fondo bianco, e giocando col fondo ho dipinto un quadro fermandomi alla preparazione.
Ho praticamente licenziato l’artista per cui preparavo i quadri e ho assunto l’altro che sino a quel giorno era il suo assistente.