Exibstoria – la fotografia | Camera Work |

«Rivelandosi i tempi maturi per la pubblicazione di una rivista americana indipendente di fotografia e segnatamente di fotografia pittorica, “Camera Work” si presenta come il risultato logico dell’evoluzione dell’arte fotografica». Alfred Stieglitz apre con queste parole, il 1° gennaio 1903, il primo numero di CW, che fu, in realtà, molto più che una rivista di fotografia. Stieglitz fu infatti un grande fotografo, ma anche un eccezionale animatore culturale. Tutto iniziò al suo ritorno a New York dall’Europa, dove era andato a studiare ingegneria e si appassionò invece alla fotografia pittorica; qui dimostrò subito un notevole talento che lo rese famoso tra i fotografi di tutto il continente, e il suo nome figurava nell’elenco dei premiati di quasi tutti i Salons. In America, però, la situazione culturale, e in particolare l’idea di fotografia, era completamente diversa. Stieglitz colse la contraddizione in atto tra una società molto attiva economicamente e l’assoluta mancanza di vivacità artistica; ma non vi si rassegnò.
Coltivò la sua idea di fotografia, che era quella di un’arte che si affiancasse, secondo la propria specificità, alla pittura, ma senza imitarla. Il suo sogno era di far sì che l’America arrivasse un giorno a dar vita, coi propri mezzi, a una propria scuola originale, affrancata da quella europea.
Gli sforzi di Stieglitz in questo senso culminarono in un importante sodalizio di fotografi, tra cui figuravano E. Steichen, A. L. Coburn, C. White, che fu chiamato “Photo-Secession”, nome che richiamava i movimenti antiaccademici mitteleuropei. “Camera Work” ne fu l’organo ufficiale. Essa nacque dalle ceneri della prima rivista di Stieglitz, “Camera Notes”, che era stata il suo primo obiettivo raggiunto, una volta prese le redini dell’associazionismo fotografico americano.

“CW” dimostrò subito di puntare anzitutto sulla qualità: le fotografie erano riprodotte su carta giapponese in raffinate fotoincisioni (che allora erano considerate una vera e propria opera artistica), poste tra un cartoncino e un foglio di carta velina, e presentate come tavole fuori testo. Oltre che di fotografia, vi si potevano leggere contenuti di poesia, filosofia, critica d’arte, ad opera di collaboratori del calibro di Shaw, Wilde, Bergson.
Nel primo periodo di vita di “CW”, i fotosecessionisti vi combatterono il pregiudizio, fortissimo allora negli USA, di chi riteneva che la fotografia non potesse essere altro che «un mezzo puramente meccanico di riproduzione della realtà». Essa era ormai, tra l’altro, alla portata di tutti. Per questo proposero immagini simboliche, affascinanti, delicate, utilizzando qualunque raffinato artificio tecnico fosse adatto all’ottenimento dell’ideale estetico che si erano prefissato: gomma bicromata, stampa all’olio, pigmenti colorati, uso dello sfocato servirono ad abbattere quei preconcetti. Né Stieglitz disdegnò l’uso degli apparecchi portatili, volendo dimostrare come i progressi tecnologici non fossero sufficienti a far diventare chiunque un fotografo artista: le sue immagini di strada di New York gli danno ragione ancora oggi.
“CW” pubblicò anche immagini già allora storiche come i ritratti di Hill e della Cameron. Le capacità espressive della fotografia non erano più in discussione.
Ad affiancare l’opera della rivista Stieglitz aprì, nel 1905, una galleria sulla Fifth Avenue, la «291». Fu qui che sbarcarono in America, per la prima volta, le avanguardie europee. Dopo un inizio dedicato solo alla fotografia, vi furono esposti Rodine e Cézanne, Matisse e Lautrec, Picasso e Kandinsky, Duchamp e Picabia. “CW” e la “291” misero in moto negli Stati Uniti una vera rivoluzione. In tutto ciò, le cose cambiarono in meglio anche per la fotografia, apprezzata sempre più per quello che era, e non per quello che poteva sembrare.

Di “CW”, fino a che non fu costretta a chiudere i battenti anche per via dello sforzo bellico, uscirono 50 numeri. Negli ultimi due, del 1917, Stieglitz diede ancora prova di grande intelligenza facendo conoscere le fotografie di un giovane che aveva sviluppato, dalle sue premesse, un linguaggio del tutto nuovo: Paul Strand. Dotato di eccezionale tecnica e cogliendo l’importanza del momento, si stacca dalla tradizione pittorialista e teorizza su “CW” la “fotografia pura”. Vi scrive: «A differenza delle altre arti che sono realmente antifotografiche, l’obiettività è la vera essenza della fotografia, il suo contributo e al tempo stesso il suo limite». E ancora: «L’efficacia potenziale di ogni mezzo dipende dalla purezza del suo uso, […] la più completa realizzazione della macchina fotografica è data dall’impiego dei metodi della fotografia pura che escludono manipolazioni ed artifici nel procedimento». Quindi una fotografia basata sul chiaroscuro, i valori tonali, uno stretto rapporto con la realtà per avvicinarsi in modo proprio alla vita. Chiudendo con Paul Strand, “Camera Work” continuò a esercitare un’influenza decisiva su numerosi fotografi, non più solo americani, anche dopo la cessazione delle pubblicazioni. Su quelle immagini si formarono autori come Adams e Weston; su quelle pagine nacque un modo di intendere la fotografia, e un modo di vedere il mondo.

Daniele De Luigi


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