fino al 31.I.2005 Damien Hirst Napoli, Museo Archeologico

L’intero jet set internazionale si è dato appuntamento nelle sale del Museo napoletano per celebrare il fenomeno dell’arte inglese: Damien Hirst, ex-enfant terribile paragonato addirittura a Caravaggio (che sempre a Napoli è protagonista in questi giorni per una mostra esclusiva a Capodimonte), ha portato qui la maggior parte delle opere che lo hanno reso celebre nei favolosi Anni Novanta.
Si sa, il richiamo del sensazionale è più forte di qualsiasi dimostrazione di intellettualismo e le opere di Hirst non si negano certo al fascino perverso della provocazione: un esempio recentissimo è Adam and Eve Toghether at Last, una coppia di cadaveri appena coperti dal lenzuolo di rito racchiusi in una grande teca museale. L’arte è morta? E allora la morte è arte. Il suo richiamo simbolico raggiunge il pubblico più ampio e riaccende l’interesse mediatico, raccogliendo una folla di curiosi che sembra muoversi come dietro al richiamo di una pop star.

Le enormi teche in vetro, le ampolle, le bacheche sono la quinta sceniga di un museo degli orrori, riempiono tutto lo spazio, racchiudono esemplari interi o sezionati conservati in formaldeide, scheletri improbabili, reperti del gabinetto di anatomia, larve di mosche che stanno per schiudersi nella testa appena recisa di una vacca (A Thousand Years 1990, montata in mostra nel centro di una sala costellata alle pareti dai noti quadri a puntini colorati. In quello che probabilmente è il passaggio più intenso di tutta l’esposizione). Variazione infinita di uno stesso orrore, come mimesi di eternità, creazione e distruzione eterna e folle, fissa in un attimo esploso, in un incubo ripetuto e senza risvegli.

Venerato negli anni ’90 per la capacità di raggruppare intorno a sé gli artisti inglesi della sua stessa generazione che poi hanno dato vita a mostre come Sensation, Hirst confessa tranquillamente di essersi ispirato a Rembrandt e Bacon. Quando si cimenta con la pittura il risultato è una composizione delicata fatta di ali di farfalle disposte in un geometrico mandala o nel sacro disegno di una vetrata di cattedrale, illuminata dal bagliore iridescente del colore di centinaia di piccole ali strappate agli insetti e inserite su un fondo dipinto. Visione poetica o scaltra operazione di mercato per offrire ai moltissimi collezionisti qualcosa di meno shockante di un animale squartato? La mostra fa l’altalena con la vita e con la morte: alla ricerca continua del punto dove la morte comincia e la vita finisce, con la convinzione che la morte in realtà non esista, che si può cercarla e non trovarla, come lo squalo in vasca di The Phisical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living.
Lo stimolo di partenza è assolutamente estetico, non sociologico o intellettuale. Un’estetica puntuale della decadenza che contempla il lento disfarsi della materia come un fato. Che poi può quasi sempre essere allontanato nel suo orrore dall’analisi meticolosamente scientifica dell’uomo. The Pharmacy il locale, ristorante, luogo di ritrovo inaugurato e poi chiuso da Hirst a Londra (e recentemente passato all’incanto nella capitale inglese a cifre da guinness), sembra rispondere a questa esigenza: come la serie infinita di scaffali alle pareti ricoperti di avvenenti pillole multicolori e confezioni di tutte le forme e dimensioni, il nostro sancta sanctorum quotidiano, la nostra preghiera e il nostro esorcismo a cui ci affidiamo senza neppure più tanta convinzione.
L’artista vuole porsi consapevolmente come un distruttore tanto delle certezze spirituali quanto delle idee che si credono eterne e sono destinate a morire con noi, a diventare solo scheletro. Uno scomodo scheletro nell’armadio o nella bacheca di vetro di un museo.

maya pacifico