L’intervista/Mat Collishaw

Dopo una mostra ‘fotografica’ alla galleria 1/9unosunove che lo aveva visto esibire opere di macabra e affascinante fragilità, Mat Collishaw torna a Roma con “Black Mirror” (a cura di Anna Coliva e Valentina Ciarallo, fino all’11 gennaio). L’artista, nato a Nottingham e trasferitosi a Londra nel 1966, è una delle figure chiave della generazione di quella che fu la Young British Art degli anni Novanta. A Roma presenta un’operazione site specific a base di ologrammi, ma altrettanto spregiudicata e sconvolgente come già fu l’arte di Caravaggio, e sciocca con le sue invenzioni tra le nobili stanze dei Borghese. La collaborazione nata tra il British Council, la Galleria 1/9unosunove e la Borghese è il risultato dell’ultima mostra del ciclo “Committenze contemporanee” voluta nello scrigno dorato di Paolina Bonaparte. Le opere che arrivano dallo studio di Londra alla Galleria di Scipione, hanno fatto una tappa intermedia a Murano, dove un artigiano locale ha fuso il vetro delle cornici già con uno stile tra il kitsch e il barocco più nero.

Collishaw, un vero gentleman inglese (non a caso finisce sul numero di Luglio- Agosto della rivista Uomo Vogue) qui in modo quanto mai ‘irrispettoso’ vivacizza le sale della Borghese privilegiando tra tutti Caravaggio per l’assenza di sfarzo della sua pittura, a dispetto del lusso del Casino da Caccia della nobiliare famiglia romana dove, con Bernini, tutto esplode di bellezza barocca e non solo.

Per comprendere come Mat Collishaw, sia in linea con Scipione Borghese, che nella sua passione cieca si accaparrava tele e compiva altre incredibili imprese lasciando ai posteri una collezione unica al mondo, occorre guardare dentro le ragioni dell’artista che si appropria di spazio, opere, collezioni senza troppo ‘rispetto’. Forse perché come il Cardinal Scipione è spinto da forze interne che vanno al di là della pura fascinazione. È in atto un nuovo tripudio barocco ed emozionale che Collishaw sa intrappolare in un non-luogo, tra mondo reale e regno della pittura e dove l’eccezionale animazione che ha realizzato prendendo spunto dell’opera di Scarsellino domina su tutto. Gli altri sensi, le tecniche e l’ideazione di questa originalissima mostra ce li siamo fatti raccontare dall’artista stesso.

«Non ho pensato a questi aspetti, seppure interessanti, ma piuttosto a rimettere questi personaggi in carne e ossa per farli risorgere da una vita di spettri in trappola nel purgatorio della tela. In fondo, ho scelto quei Caravaggio perché il loro ascetismo è in netto contrasto con la grandiosità del museo. Le tele sono rappresentazioni di gente reale, non idealizzata ma semplice, umile. Il museo Borghese è spettacolare e fa di tutto per soggiogare il visitatore con questo sfarzo. Le tre tele, inoltre toccano le tre età dell’uomo. Gesù, l’infante, Davide, Maria e Caravaggio stesso adulti e Anna e Girolamo in età matura. E volevo anzitutto tornare al momento in cui sono stati trasportati dal loro mondo reale a quello religioso e immortale dell’opera d’arte. Da uomo, donna a icona».

«Ho trovato davvero impressionante che in questa pittura non ci fossero punti di  fuga né di riferimento, lo sguardo salta da un corpo a un altro, a un bambino gettato o uno schiavo a lavoro. Questo genera un livello di eccitazione e agitazione che cresce sempre di più. Pitture come queste del Massacro di Innocenti  accrescono la ripetizione di figure e movimenti. Perciò era assolutamente in linea con la tecnica di uno zootropio tridimensionale (in resina, alluminio, acciaio) che appunto dipende dalla molteplicità dei personaggi coinvolti. La scultura ruota grazie a un motore essenzialmente ed è illuminato dalle luci a led di uno stroboscopio. “It is a painting but it’s very mechanical how it excites your emotions”».

 «Nelle mie opere le immagini di Caravaggio compaiono da dietro lo specchio, quindi è come se gli specchi siano contaminati dall’immagine stessa che emerge dal fondo. Eccetto ovviamente che nelle parti del quadro a nero, tipico del Merisi, che sembra usasse specchi e sfondasse i soffitti per lavorare con la luce lunare. Questo conferisce un aspetto quasi sovrannaturale alle sue pitture! Il titolo sottintende  una riflessione amara sulla vita che a volte è crudele e dolorosa.

«È un metodo di esplorare le idee».  

«Perché la sua è una pittura onesta. Donne e uomini comuni, trasposti sulla tela che appaiono improvvisamente come eroi del mito, addirittura biblici. Poveri e lavandaie cosi brutalmente palpabili (di cui si annusano gli odori, si vedono i piedi sporchi, le rughe) che però, investiti da una luce così radiosa, divina vengono trasportati in un mondo altro, spirituale».