fino al 26.IX.2010 Luigi Ghirri / Mario Giacomelli Pesaro, Pescheria

C’è qualcosa della pittura di Morandi nei colori, nel silenzio della
fotografia di Luigi Ghirri (Scandiano, Reggio Emilia, 1943 – Roncocesi, Reggio
Emilia, 1992). In quell’esperienza visiva c’è un intimo resoconto dell’artista,
che restituisce una realtà fatta di piccole cose. Quelle che nessuno guarda,
che a pochi interessano. Ed è allora che i suoi paesaggi, avvolti da colori
leggeri, raccontano di vecchie case nella Campagna modenese, di stradine polverose, del cartello
di un benzinaio, che avverte “Chiuso”. O della solitaria pompa di benzina,
bianca, sullo sfondo immobile di Carpi. Delle case colorate nella penombra della città, delle
vie notturne illuminate. E Guastalla con la sua luce blu.

Sono immagini che raccontano del biancore immenso della Campagna
emiliana, della
piccola giostra sulla spiaggia, d’inverno. Ogni volta, nell’ assenza dell’uomo,
a evocare l’esser-ci o il suo passaggio. È un coro di sinestesie, in un alone
leggero, che Elisabetta Sgarbi chiama Deserto rosa. E il suo film racconta il sogno
di Ghirri. Quello di creare una “casa delle stagioni, per la gioia di vedere
e di far vedere il senso delle cose”. Una fotografia “per scoprire e costruire immagini che siano
nuove possibilità di percezione”, come Ghirri amava ripetere agli studenti dell’Università
del Progetto.

Lui, che immortalò lo studio di Morandi, voleva
fotografare “il respiro della terra”. Quello universale. Lo stesso respiro che alita nel
paesaggio della campagna marchigiana raccontata da Mario Giacomelli (Senigallia, Ancona, 1925-2000).
Un artista che guarda la terra, che rilegge la realtà in bianco e nero: i
campi, gli alberi, la spiaggia. Con gli occhi di un intellettuale che affida il
suo messaggio a un espressionismo fotografico, sottolineato dai contrasti, dai
segni. Qualcosa che ricorda il lavoro grafico di Rouault.

“I segni.
Li potrei fare anche sulla carta, nel mare, ma sarebbero tutti voluti, quindi
tutti falsi. Il paesaggio è pieno di segni, di simboli, di ferite, di cose
nascoste”. Là
dove il nero è più nero, il bianco è più bianco, per un messaggio che assume
forza, pathos. E i segni sono quelli dell’aratro, dei sentieri, delle spighe di
grano, degli alberi, delle ombre. Sono Presa di coscienza della natura.

Un ciclo pregnante di
significato, di un fotografo non professionista per scelta, che usava la sua
fotocamera analogica come si usa “un cucchiaio per raccogliere la minestra
dal piatto”. Per raccontare lo
spazio, spesso visto dall’alto, e penetrare le cose con lo sguardo e con la
mente. La terra ora la vedi graffiata, altrove sembra un’isola deserta in un
mare fatto di terra. I segni, come una scrittura musicale e una casa, pare
costruita sulla Luna. Poi una scia di luce come una strada di solchi porosi,
che va incontro a un albero. Quasi un approdo, un’oasi per riposare la
stanchezza di un uomo che non c’è.

Quando due ombre umane
compaiono, nella serie Il mare dei miei ricordi,
sono quelle dell’autore e del figlio Simone. La spiaggia, come in un viaggio
della memoria, per fotografare “i suoi pensieri”, per dire: “Io sono nato piccolo e piccolo
resto, con idee piccole; non c’è bisogno di essere grandi”.